Famous Russian Artists / Знаменитые русские художники

Русская живопись так же существенно отличается от европейской, как и литература. Точка зрения наших художников - все равно, литераторов или живописцев - на мир тенденциозная по преимуществу... 

Что такое искусство? или поближе: что такое художники? Часть нации, свободно и по влечению поставившая себе задачею удовлетворение эстетических потребностей своего народа.

Иван Николаевич Крамской 

Два-три тона взять точно вместе трудно, пять ещё труднее, а все точно взять, как ощущаешь своим глазом, - невероятно трудно. Воспитывай глаз сначала понемногу; потом пошире распускай глаз, а в конце все, что входит в холст, надо видеть вместе, и тогда, что не точно взято, будет фальшивить, как неверная нота в оркестре. Опытный художник всё видит одновременно, так же как хороший дирижёр слышит одновременно и скрипку, и флейту, и фагот, и прочие инструменты.

Константин Алексеевич Коровин

Живописец, изучающий разноцветность вещей природы, тем самым постигает их взаимоотношения, определяет нахождение вещи в мире, - т.е. бытие вещи... 

Цвета есть раздражающие и успокаивающие, кричащие, спорящие друг с другом и живущие ласково один возле другого. В их борьбе или согласии и есть воздействие цвета на человека через чувство зрения.

Кузьма Сергеевич Петров-Водкин

Я хочу таким быть - беззаботным, в нынешнем веке пишут все тяжёлое, ничего отрадного. Я хочу хочу отрадного и буду писать только отрадное.

Валентин Александрович Серов.

Пейзаж должен быть не только национальным, но далее местным. Порукой всему сказанному будет мой долголетний опыт и все мое желание послужить родному пейзажу, и надеюсь, что придет время, когда вся русская природа, живая и одухотворенная, взглянет с холстов русских художников.

Иван Шишкин

Ivan Aivazovsky / Иван Айвазовский

Ivan Konstantinovich Aivazovsky (July 29, 1817 – May 5, 1900) was a Russian painter of Armenian descent, most famous for his seascapes, which constitute more than half of his paintings.

Aivazovsky was born in the town of Feodosiya, Crimea, to a poor Armenian family. His parents family name was Aivazian. Some of artist's paintings bear a signature, in Armenian letters, "Hovhannes Aivazian". His talent as an artist earned him sponsorship and entry to the Simferopol gymnasium №1 and later the St.Petersburg Academy of Arts, which he graduated with the gold medal. Earning awards for his early landscapes and seascapes, he went on to paint a series of portraits of Crimean coastal towns before traveling throughout Europe. In later life, his paintings of naval scenes earned him a longstanding commission from the Russian Navy. In 1845, Aivazovsky went to Istanbul upon the invitation of Sultan Abdülmecid, a city he was to travel to eight times between 1845-1890. During his long sojourn in Istanbul, Aivazovsky was commissioned for a number of paintings as a court painter by the Ottoman Sultans Abdülmecid, Abdulazizand Abdulhamid, 30 of which are currently on display in the Ottoman Imperial Palace, the Dolmabahce Museum and many others at various other museums in Turkey. Due to his long life in art, Aivazovsky became the most prolific Russian painter of his time. He left over 6,000 works at his death in 1900. With funds earned during his successful career as an artist he opened an art school and gallery in his home town of Feodosiya. As of 2006, Aivazovsky's works have been auctioned for as much as $3,200,000, and his international reputation continues to grow. On June 14, 2007 his painting "American Shipping off the Rock of Gibraltar" sold for 2,710,000 pounds. He is also said to be the most forged of all Russian painters.

Иван Константинович Айвазовский родился 17 июля 1817 года в Феодосии в семье армянского предпринимателя, позднее разорившегося. Сначала учился в гимназии в Симферополе, затем в 1833 году поступил в Петербургскую Академию художеств, где с 1833 по 1839 годы учился у М.Н.Воробьева в пейзажном классе. Появившаяся на академической выставке в 1835 году первая картина Айвазовского "Этюд воздуха над морем" сразу же получила хвалебные отзывы критики. В 1837 году живописец за три своих работы с морскими видами награждается большой золотой медалью.Вскоре Айвазовский отправляется в Крым, получив задание написать ряд пейзажей с крымскими городами. Там он познакомился с Корниловым, Лазаревым, Нахимовым. Крымские работы художника также были успешно представлены на выставке в Академии художеств. В 1840 году Айвазовский направляется по заданию Академии в Италию. Там он много и плодотворно работает, изучает классическое искусство. В Риме и других европейских городах проходят успешные выставки его работ. Парижский Совет Академий награждает его золотой медалью. По возвращении в Россию Айвазовский получает звание академика, его направляют в Главный морской штаб, где художнику поручают нарисовать ряд балтийских видов. Будучи живописцем Главного морского штаба Айвазовский принимает участие в ряде военных операций, создает картины с батальными сценами. Одним из самых известных произведений, написанным в 1848 году, стал "Чесменский бой". Море предстает у Айвазовского как бы основой природы, в его изображении художнику удается показать всю жизненную красоту могучей стихии. Одной из самых известных картин Айвазовского стал его "Девятый вал", написанный в 1850 году. Но Айвазовский оставил след в истории не только, как талантливый живописец, но и меценат. Скопив благодаря популярности своих работ немалый капитал, Айвазовский щедро занимался благотворительностью. На его деньги было выстроено здание археологического музея в Феодосии, проведено большое количество работ по благоустройству города. Из его феодосийской мастерской вышло много известных художников - Куинджи, Лагорио, Богаевский. Умер Иван Константинович Айвазовский 19 апреля 1900 года.

_____________________________________________________________________

David Burlyuk / Давид Бурлюк

David Burliuk was born in Semyrotivka near the village of Riabushky (now Lebedyn District, Sumy Oblast) in Ukraine, brother of Wladimir Burliuk. From 1898 to 1904 he studied at the Art School Kasan in Odessa, as well as the art college there and at the Royal Academy in Munich. In 1908 was the exhibition with the group Zveno ("The Link") in Kiev organized by David Burliuk together with Wladimir Baranoff-Rossine, Alexander Bogomazov, Wladimir Burliuk and Aleksandra Ekster. From 1910 he was the member of the group Jack of Diamonds. From 1910 to 1911 he attended the Art School in Odessa. After 1911 David concetrated on poetry. From 1911 to 1913 he studied at the Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture (MUZHZV). In 1911 Burliuk participated in the group exhibition of the Blaue Reiter in Munich, which also included his brother Wladimir. In 1912 David Burliuk was co-author of the Russian Futurist manifesto A Slap in the Face of Public Taste. In 1913 he was expelled from the Academy. In the same year D.Burliuk founded the publishing venture of the futuristic writer's group Hylaea. In 1915 David Burliuk published the book The Support of the Muses in Spring, with illustrations by Lentulov, and by David and Wladimir Burliuk. From 1915 to 1917 he resided in the Urals with frequent trips to Moscow and Petrograd (St. Petersburg). In 1917 he participated in an exhibition with the group Jack of Diamonds in the artists' salon in Moscow, which included Aleksandra Ekster and Kazimir Malevich. From 1918 to 1922 he travelled to the USA via Siberia,Japan, and Canada. In 1925 Burliuk was a co-founder of the Association of Revolutionary Masters of Ukraine (ARMU) with the members Alexander Bogomazov, Vasiliy Yermilov, Vadym Meller, Alexander Khvostenko-Khvostov, and Palmov Victor. In 1927 he participated in an exhibition of the Latest Artistic Trends in the Russian Museum in Leningrad (St. Petersburg), together with Malevich, Shevchenko, and Tatlin. David Burliuk was author of autobiographical sketches My Ancestors, Forty Years: 1890–1930. In 1909 Burliuk painted a portrait of his future wife, Marussia, on a background of flowers and rocks on the Crimean coast. Many times thereafter he would set the image of his wife to canvas. Without question two dreams possessed his heart all his life: the face of his wife and the portrait of his homeland - first Ukraine and then his adopted country, the United States. In 1962 he and his wife travelled to Australia where Queensland Art Gallery had his art works exhibition. It was his only Australian exhibition. During his stay there David Burliuk painted some sketches and works with Australian views. From 1937 to 1966 Burliuk and his wife, Marussia, published Color & Rhyme, a periodical primarily concerned with charting Burliuk's activities. David Burliuk died on Long   Island, New York.

Бурлюк Давид Давидович - поэт, художник, один из основоположников русского футуризма, теоретик и пропагандист нового искусства.

 Давид Бурлюк родился в 1882 на хуторе Семиротовщина Харьковской губернии, в семье управляющего помещичьим имением. Его братья - Владимир и Николай и сестра Людмила позднее также приняли участие в футуристическом движении. В 1894-98 Давид учится в Сумской, Тамбовской и Тверской гимназиях. Во время учебы в Тамбовской гимназии знакомится с художником Константиновым и вскоре решает стать профессиональным художником. Учится в Казанском (1898-1999) и Одесском (1999-1900, 1910-1911) художественных училищах. В 1902 году после неудачной попытки поступить в Академию художеств уезжает в Мюнхен. Занимается в Королевской Академии Мюнхена (1902-1903), в студии Кормона в Париже (1904), в МУЖВЗ (1911-1914). С 1908 года активно включается в современную художественную жизнь и вскоре становится одним из лидеров литературно-художественного авангарда. Участвует в большинстве первых выставок "нового искусства" ("Звено", "Венок-Стефанос" и "Бубновый валет"). В 1908 публикует свою первую декларацию "Голос Импрессиониста в защиту живописи". Имение графа Мордвинова Чернянка, где в 1900-1910-х годах работает его отец, стало своеобразной "штаб-квартирой" молодых новаторов. В разное время там побывали Ларионов, Хлебников, Лифшиц, Лентулов и другие представители авангардного искусства. Именно там впервые возникла идея создания самостоятельной литературно-художественной группы, ориентированной на создание нового национального искусства. К 1910 г. складывается круг единомышленников с оригинальной философско-эстетической программой - Д.Бурлюк, В. Каменский, М. Матюшин, Е.Гуро - которым Хлебников дал имя "будетлян". Познакомившись в 1911 г. с В.Маяковским и Б.Лифшицем, Давид Бурлюк создает новое литературное объединение - "Гилея". В 1912 году совместно с Маяковским, Крученых и Хлебниковым выпускает программный манифест футуризма "Пощечина общественному вкусу". Обладая редкими организаторскими способностями Давид Бурлюк быстро аккумулирует основные силы футуризма. При его непосредственном участии выходят поэтические сборники, издаются брошюры, организуются выставки и устраиваются диспуты. Для современников имя Давида Бурлюка начинает ассоциироваться с наиболее радикальными выступлениями футуристов. В 1913-1914 годах он организует знаменитое турне футуристов по городам России, выступает с лекциями, чтениями стихов и прокламациями. Как автор и иллюстратор принимает участие в издании футуристических книг ("Рыкающий Парнас", "Требник троих", "Дохлая Луна", "Сборник единственных футуристов в мире"), в 1914 году - редактор "Первого футуристического журнала". В 1918 становится одним из издателей "Газеты футуристов". Член многих литературно-художественных объединений ("Синий всадник", "Союз молодежи", "Гилея", "Бубновый валет", "Общество Изобразительных Искусств"). В период гражданской войны оказывается в Башкирии, а затем в Сибири и на дальнем Востоке, где продолжает пропаганду футуризма. В 1920 году эмигрирует Японию. Спустя два года перебирается США, где вместе с женой организовывает издательство, под маркой которого выпускал прозу, стихи, публицистику и мемуары. В 1920-х работает в газете "Русский голос", входит в литературную группу "Серп и молот". В 1930 году издает теоретический труд "Энтелехизм", в том же году начинает выпускать журнал "Color and Rhyme". Ежегодно участвует в выставках, занимается фотоискусством. В 1950-х в Хэмптон-Бейс (Лонг-Айленд) открыл собственную галерею. Умер в 1967 году в Лонг-Айленде (США).

__________________________________________________________

Victor Vasnetsov / Виктор Васнецов

Viktor Vasnetsov was born in a remote village Lopyal of Vyatka guberniya in 1848. His father Mikhail Vasilievich Vasnetsov, a village priest, was a well-educated 'philosophy-inclined' man interested in natural science, astronomy and painting. His grandfather was an icon painter. Two of his three sons, Viktor and Apollinary, became remarkable painters, the third one becoming a schoolteacher. Recalling his childhood in a letter to Vladimir Stasov, Vasnetsov remarked that he "had lived with peasant children and liked them not as a narodnik but as a friend". From the age of ten, Viktor studied in a seminary in Vyatka, each summer moving with his family to a rich merchant village of Ryabovo. During his seminary years, he worked for a local iconshopkeeper. He also helped an exiled Polish artist, Michał Elwiro Andriolli, to execute frescoes for Vyatka's Alexander Nevsky cathedral. Having graduated from the seminary, Viktor decided to move to Saint Petersburg to study art. He auctioned his paintings of Woman Harvester and Milk-maid (both 1867) in order to raise money required for the trip to the Russian capital. In August 1867 Viktor entered the Imperial Academy of Arts. Three years later, the Peredvizhniki movement of realist painters rebelled against the Academism. Vasnetsov befriended their leader Ivan Kramskoi, referring to him as his teacher. He also became very close to his fellow student Ilya Yefimovich Repin. It is ironic, but Viktor, whose name is associated with historical and mythological paintings, initially avoided these subjects at all costs. For his graphic composition of   Christ and Pontius Pilate Before the People, the Academy awarded a small silver medal to him. In the early 1870s he executed a lot of engravings depicting contemporary life. Two of them (Provincial Bookseller from 1870 and A Boy with a Bottle of Vodka from 1872) won him a bronze medal at the World Fair in London (1874). At that period he also started producing genre paintings in oil. Such pieces as Peasant Singers (1873) and Moving House (1876) were warmly welcomed by democratic circles of Russian society. In 1876 Repin invited Vasnetsov to join the Peredvizhniki colony in Paris. While living in France, Viktor studied classical and contemporary paintings, academist and Impressionist alike. At that period, he painted Acrobats(1877), produced prints, and exhibited some of his works at the Salon. It was in Paris that he became fascinated with fairy-tale subjects, starting to work on Ivan Tsarevich Riding a Grey Wolf and The Firebird. Vasnetsov was a model for Sadko in Repin's celebrated painting Sadko in the Underwater Kingdom. In 1877 he returned to Moscow. In the late 1870s Vasnetsov concentrated on illustrating Russian fairy tales and bylinas, executing some of his best known pieces: Knight at the Crossroads (1878), Prince Igor's Battlefield (1878), Three tsarevnas of the Underground Kingdom (1879-1881), The Magic Carpet (1880), and Alionushka (1881). These works were not appreciated at the time they appeared. Many radical critics dismissed them as undermining the realist principles of the Peredvizhniki. Even such prominent connoisseurs as Pavel Mikhailovich Tretyakov refused to buy them. The vogue for Vasnetsov's paintings would spread in the 1880s, when he turned to religious subjects and executed a series of icons for Abramtsevo estate of his patron Savva Mamontov. In 1884-1889 Vasnetsov was commissioned to paint frescos in the St Vladimir's Cathedral of Kiev. This was a challenging work which ran contrary to both Russian and Western traditions of religious paintings. The influential art critic Vladimir Stasov labelled them a sacrilegious play with religious feelings of the Russian people. Another popular critic, Dmitry Filosofov, referred to these frescoes as "the first bridge over 200 years-old gulf separating different classes of Russian society". While living in Kiev, Vasnetsov made friends with Mikhail Vrubel, who was also involved in the cathedral's decoration. While they worked together, Vasnetsov taught the younger artist a great deal. It was in Kiev that Vasnetsov finally finished Ivan Tsarevich Riding a Grey Wolf and started his most famous painting, the Bogatyrs. In 1885 the painter travelled to Italy. The same year he worked on stage designs and costumes for Nikolai Rimsky-Korsakov's opera The Snow Maiden. The following two decades were productive ones for Vasnetsov, but most of his later paintings were perceived as being of secondary importance. He increasingly turned to other media during this period. In 1897 he collaborated with his brother Apollinary on the theatrical design of another Rimsky-Korsakov premiere, Sadko, and he was commissioned in the 1910s to design a new uniform for the Russian military — the so-called bogatyrka, a Russian army headwear. At the turn of the century, Vasnetsov elaborated his hallmark "fairy-tale" style of Russian Revivalist architecture. His first acclaimed design was a church in Abramtsevo (1882), executed jointly with Vasily Polenov. In 1894, he designed his own mansion in Moscow. The Russian pavilion of the World Fair in Paris followed in 1898. Finally, in 1904, Vasnetsov designed the best known of his "fairy-tale" buildings — the Tretyakov Gallery. Between 1906 and 1911, Vasnetsov worked on the design of the mosaics for Alexander Nevsky Cathedral, Warsaw. In 1912, Vasnetsov was given a noble title by Czar Nicholas II. Even prior to the Russian Revolution, Vasnetsov became   active as a regent of that gallery. He allocated a significant portion of his income to the State Historical Museum, so that a large part of the museum's collection was acquired on Vasnetsov's money. After the October Revolution he advocated removing some of the religious paintings (notably those by Alexander Ivanov) from churches to the Tretyakov Gallery.

Васнецов Виктор Михайлович [3(15). 5.1848, с. Лопьял - 23.7.1926, Москва], русский живописец. Учился в Петербурге в Рисовальной школе Общества поощрения художеств (1867-68) у И. Н. Крамского и в АХ (1868-75), действительным членом которой стал в 1893. С 1878 член Товарищества передвижников. Посетил Францию (1876) и Италию (1885). Жил в Петербурге и Москве. В годы учёбы выполнял рисунки для журналов и дешёвых народных изделий ("Народная азбука" Столпянского, изд. в 1867; "Тарас Бульба" Н. В. Гоголя, изд. в 1874). В 1870-е гг. выступил с небольшими жанровыми картинами, тщательно написанными преимущественно в серовато-коричневой цветовой гамме. В сценках уличной и домашней жизни мелких купцов и чиновников, городской бедноты и крестьян Васнецов с большой наблюдательностью запечатлел различные типы современного ему общества ("С квартиры на квартиру", 1876, "Военная телеграмма", 1878,- обе в Третьяковской гал.). В 1880-е гг., оставив жанровую живопись, создавал произведения на темы национальной истории, русских былин и народных сказок, посвятив им почти полностью всё своё дальнейшее творчество. Одним из первых русских художников обратился к русскому фольклору. Васнецов создал картины "После побоища Игоря Святославича с половцами" (1880), "Алёнушка" (1881), проникнутая искренней поэтичностью, "Иван-царевич на сером волке" (1889), "Богатыри" (1881-98), исполненные веры в богатырские силы народа, "Царь Иван Васильевич Грозный" (1897, все в Третьяковской гал.). С общей направленностью станковой живописи Васнецова 1880- 1890-х гг. тесно связаны его работы для театра. В 1883-85 Васнецов выполнил монументальное панно "Каменный век" для Исторического музея в Москве, в 1885-96 большую часть росписей Владимирского собора в Киеве. Живопись Васнецова в зрелый период, отличаясь стремлением к монументально-декоративному художественному языку, приглушённому звучанию обобщённых цветовых пятен, а порой и обращением к символике, предвосхищает позже получивший распространение в России стиль "модерн". Васнецов исполнил также ряд портретов (А. М. Васнецова, 1878; Ивана Петрова, 1883; оба - в Третьяковской гал.), иллюстрации к "Песни о вещем Олеге" А. С. Пушкина (акварель, 1899, Литературный музей, Москва). По его рисункам сооружены церковь и сказочная "Избушка на курьих ножках" в Абрамцеве (под Москвой; 1883), выстроен фасад Третьяковской гал. (1902). В советское время Васнецов продолжал работать над народными сказочными темами ("Бой Добрыни Никитича с семиглавым Змеем Горынычем", 1918; "Кащей Бессмертный", 1917-26; обе картины - в Доме-музее В. М. Васнецова в Москве).

_____________________________________

Mikhail Vrubel / Михаил Врубель

Mikhail Aleksandrovich Vrubel (Russian:Михаил Александрович Врубель;March 17, 1856 - April 14, 1910, all n.s.) is usually regarded as the greatest Russian painter of the Symbolist movement. In reality, he deliberately stood aloof from contemporary art trends, so that the origin of his unusual manner should be sought in the Late Byzantine and Early Renaissance painting.

Vrubel was born in the Omsk city (Siberia), in a military lawyer's family and graduated from the Law Faculty of St Petersburg University in 1880. Next year he entered the Imperial Academy of Arts, where he studied under direction of Pavel Tchistyakov. Even in his earliest works, he exhibited striking talent for drawing and highly idiosyncratic outlook. Although he still relished academic monumentality, he would later develop a penchant for fragmentary composition and "unfinished touch". In 1884, he was summoned to replace the lost 12th-century murals and mosaics in the St. Cyril's Church of Kiev with the new ones. In order to execute this commission, he went to Venice to study the medieval Christian art. It was here that, in the words of an art historian, "his palette acquired new strong saturated tones resembling the iridescent play of precious stones". Most of his works painted in Venice have been lost, because the artist was more interested in creative process than in promoting his artwork. In 1886, he returned to Kiev, where he submitted some monumental designs to the newly-built St Volodymir Cathedral. The jury, however, failed to appreciate the striking novelty of his works, and they were rejected. At that period, he executed some delightful illustrations for Hamlet and Anna Karenina which had little in common with his later dark meditations on the Demon and Prophet themes. In 1905 he created the mosaics on the hotel "Metropol" in Moscow, the centre piece of the facade overlooking Teatralnaya Ploschad is taken by the mosaic panel, 'Princess Gryoza' (Princess of Dream). While in Kiev, Vrubel started painting sketches and watercolours illustrating the Demon, a long Romantic poem by Mikhail Lermontov. The poem described the carnal passion of "an eternal nihilistic spirit" to a Georgian girl Tamara. At that period Vrubel developed a keen interest in Oriental arts, and particularly Persian carpets, and even attempted to imitate their texture in his paintings. In 1890, Vrubel moved to Moscow where he could best follow innovative trends in art. Like other artists associated with the Art Nouveau, he excelled not only in painting but also in applied arts, such as ceramics, majolics, and stained glass. He also produced architectural masks, stage sets, and costumes. It is the large painting of Seated Demon (1890) that brought notoriety to Vrubel. Most conservative critics accused him of "wild ugliness", whereas the art patron Savva Mamontov praised the Demon series as "fascinating symphonies of a genius" and commissioned Vrubel to paint decorations for his private opera and mansions of his friends. Unfortunately the Demon, like other Vrubel's works, doesn't look as it did when it was painted, as the artist added bronze powder to his oils in order to achieve particularly luminous, glistening effects. In 1896, he fell in love with the famous opera singer Nadezhda Zabela. Half a year later they married and settled in Moscow, where Zabela was invited by Mamontov to perform in his private opera theatre. While in Moscow, Vrubel designed stage sets and costumes for his wife, who sang the parts of the Snow Maiden, the Swan Princess, and Princess Volkhova in Rimsky-Korsakov's operas. Falling under the spell of Russian fairy tales, he executed some of his most acclaimed pieces, including Pan (1899), The Swan Princess (1900), and Lilacs (1900). In 1901, Vrubel returned to the demonic themes in the large canvas Demon Downcast. In order to astound the public with underlying spiritual message, he repeatedly repainted the demon's ominous face, even after the painting had been exhibited to the overwhelmed audience. At the end he had a severe nervous breakdown, and had to be hospitalized to a mental clinic. Vrubel's mental illness was brought on or complicated by   tertiary syphilis.[1] While there, he painted a mystical Pearl Oyster (1904) and striking variations on the themes of Pushkin's poem The Prophet. In 1906, overpowered by mental disease and approaching blindness, he had to give up painting.

Врубель Михаил Александрович  [5(17).3.1856, Омск, - 1(14).4.1910, Петербург], русский живописец. Учился в петербургской А. Х (1880-84) у П. П. Чистякова. Неоднократно бывал в Италии и Франции, посетил Германию, Грецию, Швейцарию. Следуя традиции А. А. Иванова и Н. Н. Ге, Врубель в своём творчестве обращался к проблемам бытия человека, к морально-философским вопросам о добре и зле, о месте человека в мире. Но в условиях сложного и противоречивого развития русской художественной культуры конца 19 - начала 20 вв. стремление решить эти вопросы приводило Врубеля, стоявшего в стороне от общественной борьбы своей эпохи и не видевшего реальных путей преодоления острых противоречий буржуазной действительности, к мучительным поискам выхода лишь во внутренней, духовной жизни человека. Это придаёт творчеству Врубеля, как и творчеству ряда других русских художников конца 19 - начала 20 вв., субъективные, индивидуалистические, а порой и мистически-болезненные черты, что вызывало ожесточённую полемику по поводу его произведений в различных кругах русского общества. Врубель обращался к романтике средневековья и Возрождения, к античной мифологии и русской сказке; в его произведениях нередки элементы загадочности, таинственности, характерные и для поэзии раннего русского символизма. Разносторонность художественного творчества как выражение мечты соединить искусство с жизнью, поиски высокого монументального стиля и национальной формы в искусстве, приверженность к орнаментальным ритмически усложнённым решениям придают произведениям Врубеля характерные черты стиля "модерн". Это особенно свойственно некоторым панно (например, триптих "Фауст" для дома А. В. Морозова в Москве, 1856, Третьяковская гал.; "Утро", 1897, Рус. музей, Ленинград). Однако творчество Врубеля гораздо шире и символизма, и стиля "модерн". Стремление создать сложную картину мира, в котором всё взаимосвязано и одушевлено, а за привычным обликом предметов таится своя особая и напряжённая жизнь, приводит к органическому слиянию в произведениях Врубеля мира человеческих чувств и мира природы ("Пан", 1899, "К ночи", 1900, "Сирень", 1900,- все в Третьяковскбй гал.). В 1884-89 Врубель жил в Киеве, где создал иконы и ряд стенных росписей (в т. ч. композицию над хорами "Сошествие святого духа", масло, 1884) в Кирилловской церкви, эскизы неосуществлённой росписи Владимирского собора (в т. ч. четыре варианта композиции "Надгробный плач" - все акварель, графитный карандаш, Киевский музей рус. иск-ва), портрет-картину "Девочка на фоне персидского ковра" (1886, там же).

______________________________________________________________

Nikolai Ge / Николай Ге

Nikolai Ge (or Ghe or Gay; 27 February [O.S. 15 February] 1831 – 13 June [O.S. 1 June] 1894) was a Russian realist painter famous for his works on historical and religious motifs.

Nikolai Ge was born in Voronezh to a Russian noble family of French origin. His grandfather emigrated to Russia in the 18th century. His parents died when he was still a child, so Nikolai was raised by his serf nurse. He graduated from the First Kiev Gymnasium and studied at the physics-mathematics department of Kiev University and Saint Petersburg University. In 1850 he gave up his career in science and entered the Imperial Academy of Arts in Saint Petersburg. He studied in academy under the historical painter Pyotr Basin until 1857. He graduated from the academy in 1857 with a gold medal for his painting The Witch of Endor Calling Up the Spirit of the Prophet Samuel. According to Ge himself, during that period he was strongly influenced by Karl Brullov. His gold medal provided him a scholarship for studying abroad . He visited Germany, Switzerland,France and in 1860 settled in Italy. In Rome he met Alexander Andreyevich Ivanov who strongly influenced Ge. In 1861 Ge painted The Last Supper; in 1863 he took the painting with him to Saint Petersburg. Ge found his own interpretation of the classical subject — he emphasized the motif of discord among those who had formerly shared the same views. The painting (bought by Tsar Alexander II of Russia) made so strong impression that Ge was made a professor of Imperial Academy of Arts. In 1864 he returned to Florence where he became a friend of a major Russian pro-Western writer and thinker Alexander Herzen and painted his portrait. The same year he also painted Messengers of the Resurrection and the first version of the Christ on the Mount of Olives. The new religious paintings at that time were not much of a success, and the Imperial Academy refused to exhibit them in its annual exhibition. In 1870 Ge again returned to Saint Petersburg there he turned to Russian history for subject matter. The painting Peter the Great Interrogates Tsarevich Alexey at Peterhof (1871) was a great success, but other historical paintings were met without interest. Ge took the cold response to his work very hard. He wrote that a man should live by doing agricultural work, and the art should not be for sale. He bought a small khutor (farm) in Chernigov gubernia(currently Ukraine) and moved there. He became acquainted with Leo Tolstoy and became an enthusiastic follower of his philosophy. In the early 1880s he returned to art producing religious paintings and portraits. He stated that everybody has a right to have a portrait so he agreed to work for whatever low commission the subject could afford. Among his portraits of the time was his famous portrait of Leo Tolstoy, portrait of Mikhail Saltykov-Shchedrin and many others. His late paintings on New Testament subjects of that period were praised by liberal critics like Vladimir Stasov, criticized by conservatives as illustrating Ernest Renan rather than the New Testament and forbidden by the authorities for blasphemy. Quod Est Veritas? Christ and Pilate (1890) was expelled from the exhibition; The Judgment of the Sanhedrin: He is Guilty! (1892) was not admitted to the annual Academy of Arts exhibition; The Calvary (Golgotha) (1893) remained unfinished; The Crucifixion (1894) was banned by Tsar Alexander III. Ge died on his farm in 1894. The fate of many of his works remains a mystery. At the end of his life Ge bequeathed all of his works to his Swiss benefactor Beatrice de Vattville (Russian:Беатриса де Ваттвилль, владелица замка Жэнжэн в кантоне Во в Швейцарии) in exchange for a small rent during his lifetime. She died in 1952 but none Ge's work were found in her castle. Among the lost works is Ge's supposedly magna opus painting The Crucifixion. Ge's drawings were found by art collectors in Swiss secondhand stores late as 1974.

Ге Николай Николаевич. Годы жизни: 1831г. - 1894г. Исторический живописец, портретист, пейзажист. Родился в Воронеже в дворянской семье. Учился на математическом факультете Киевского, затем Петербургского университета. В 1850 году, не окончив университетского курса, поступил в Академию художеств, где наибольший его интерес вызвало наследие К.П.Брюллова. Влияние последнего очень заметно в ранних работах Ге, в частности в конкурсной программе на Большую золотую медаль Аэндорская волшебница вызывает тень Самуила Саул у Аэндорской волшебницы, 1856, ГРМ). Драматический сюжет (тень пророка Самуила предсказывает Саулу смерть в предстоящем походе), динамика жестов и мимики героев, особенное звучание пурпурного цвета и другие особенности заставляют вспомнить автора Последнего дня Помпеи с его романтической патетикой. В 1850-е годы развивалась и другая тенденция творчества художника, проявившаяся в портретах. В них преобладал реалистически сдержанный, сосредоточенный подход к модели, отсутствие внешних, отвлекающих моментов в трактовке образов ("Портрет отца", 1854, КМРИ; "Портрет Я.П.Меркулова", 1855, ГРМ, и др.). Получив высшую награду Академии, Ге с женой посетил Германию, Швейцарию, Францию и обосновался в Италии (1857). Затем, не без влияния А.А.Иванова, обратился к евангельским легендам для выражения своих представлений о добре и зле, о нравственных проблемах человечества. В ряду этих произведений находится ,,Тайная вечеря" (1863). Противопоставление Христа и Иуды, трагедия человека, предвидящего предательство ученика, но готового к самопожертвованию, составляют основу драматического конфликта. Он осмыслен художником не в каноническом, религиозном, а в нравственно-психологическом плане. Картина имела в России огромный успех. Передовая критика уделила ей первостепенное внимание, отмечала и глубокую интерпретацию традиционного сюжета, понимавшуюся современниками в связи с социальными проблемами своей эпохи. Наиболее глубокий анализ картины был дан М.Е. Салтыковым-Щедриным. Знаменательно, что реакционный лагерь увидел в произведении недопустимый "материализм", картину было запрещено репродуцировать. После демонстрации ее в Петербурге Ге возвратился во Флоренцию. Здесь он неоднократно встречался с А.И.Герценом, имевшим большое значение в духовной жизни художника. Портрет Герцена (1867, ГТГ, повторение 1878 - КМРИ) - один из лучших в творчестве Ге - был тайно привезен художником в Россию. В Италии созданы также портреты И.Доманже (1868, ГТГ), М.А.Бакунина (ГТГ), "Портрет неизвестной в синей блузе" (1868, ГТГ) и др. В эти годы Ге писал и много пейзажей. По возвращении в Россию (1869) художник был в числе организаторов Товарищества передвижных художественных выставок. Он сблизился с передовыми деятелями культуры, многих из них портретировал (портреты: И. С. Тургенева, 1871, Картинная галерея Армении; М.Е.Салтыкова-Щедрина, 1872, ГРМ; Н.А.Некрасова, 1872, там же, повторение - Эрмитаж, и др.). На первой передвижной выставке (1871) обратила на себя внимание картина Ге "Петр I допрашивает царевича Алексея Петровича в Петергофе", тогда же приобретенная П.М.Третьяковым (неоднократно повторялась художником). Содержание картины, простота ее художественного решения составили новое слово в развитии реалистической исторической картины. В 1870-е годы Ге испытал творческий кризис и около трех лет почти не брался за кисть (1876-1879). В это время он поселился на хуторе в Черниговской губернии, там прошла большая часть его последующей жизни. С 1882 года Ге сблизился с Л.Н.Толстым и стал последователем его религиозно-нравственного учения. Морально-философские и психологические проблемы, выраженные в образах и сюжетах Евангелия, заняли ведущее место в творчестве Ге 1880-1890-х годов.

_______________________________________________________

Wassily Kandinsky / Василий Кандинский

(December 16 [O.S. December 4] 1866 – December 13, 1944) was a Russian painter, printmaker and art theorist. One of the most famous 20th-century artists, he is credited with painting the first modern abstract works.

Born in Moscow, Kandinsky spent his childhood in Odessa. As a young man he enrolled at the University of Moscow and chose to study law and economics. Quite successful in his profession—he was offered a professorship (chair of Roman Law) at the University of Dorpat—he started painting studies (life-drawing, sketching and anatomy) at the age of 30. In 1896 he settled in Munich and studied first in the private schoolof Anton Ažbe and then at the Academy of Fine Arts, Munich. He went back to Moscow in 1914 after World War I started. He was unsympathetic to the official theories on art in Moscow and returned to Germany in 1921. There he taught at the Bauhaus school of art and architecture from 1922 until the Nazis closed it in 1933. He then moved to France where he lived the rest of his life, and became a French citizen in 1939. He died at Neuilly-sur-Seine in 1944.

Kandinsky's creation of purely abstract work followed a long period of development and maturation of intense theoretical thought based on his personal artistic experiences. He called this devotion to inner beauty, fervor of spirit, and deep spiritual desire inner necessity, which was a central aspect of his art. Kandinsky learned from a variety of sources during his youth and life in Moscow. Later in his life, he would recall being fascinated and unusually stimulated by color as a child. The fascination with color symbolism and psychologycontinued as he grew, although he seems to have made no attempt to study art.

Кандинский, Василий Васильевич (1866-1944), русский художник, теоретик искусства и поэт, один из лидеров авангарда первой половины 20 в.; вошел в число основоположников абстрактного искусства.

Родился в Москве 22 ноября (4 декабря) 1866 в семье коммерсанта; принадлежал к роду нерчинских купцов, потомков сибирских каторжан. В 1871-1885 жил с родителями в Одессе, где еще в гимназические годы начал заниматься музыкой и живописью. С 1885 учился в Московском университете, мечтая о карьере юриста, но ок. 1895 решил посвятить себя искусству. Определили его выбор два момента: во-первых, впечатления от русских средневековых древностей и художественного фольклора, полученные в этнографической экспедиции по Вологодской губернии (1889), во-вторых, посещение французской выставки в Москве (1896), где он был потрясен картиной К.Моне Стог сена. В 1897 приехал в Мюнхен, где с 1900 занимался в местной Академии художеств под руководством Ф.фон Штука. Много путешествовал по Европе и Северной Африке (1903-1907), с 1902 жил в основном в Мюнхене, а в 1908-1909 в селе Мурнау (Баварские Альпы). Органично войдя в среду немецкой модернистской богемы, выступал и как активный организатор: основал группы «Фаланга» (1901), «Новое мюнхенское художественное объединение» (1909; совместно с А.Г.Явленским и др.) и, наконец, «Синий всадник» (1911; совместно с Ф.Марком и др.) — общество, ставшее важным соединительным звеном между символизмом и авангардом. Публиковал художественно-критические Письма из Мюнхена в журналах «Мир искусства» и «Аполлон» (1902, 1909), участвовал на выставках «Бубнового валета». От ранних, уже достаточно ярких и сочных импрессионистских картин-этюдов перешел к бравурным, цветистым и «фольклорным» по колориту композициям, где суммировались характерные мотивы русского национального модерна с его романтикой средневековых легенд и старинной усадебной культуры (Пестрая жизнь, 1907, Ленбаххаус, Мюнхен; Дамы в кринолинах, 1909, Третьяковская галерея). В 1910 создал первые абстрактные живописные импровизации и завершил трактат О духовном в искусстве (книга была опубликована в 1911 на немецком языке). Считая главным в искусстве внутреннее, духовное содержание, полагал, что лучше всего оно выражается прямым психофизическим воздействием чистых красочных созвучий и ритмов. В основе его последующих «импрессий», «импровизаций» и «композиций» (как сам Кандинский различал циклы своих работ) лежит образ прекрасного горного пейзажа, как бы тающего в облаках, в космическом небытии, по мере мысленного воспарения созерцающего автора-зрителя. Драматургия картин маслом и акварелей строится за счет свободной игры цветовых пятен, точек, линий, отдельных символов (типа всадника, ладьи, палитры, церковного купола и т.д.). Большое внимание мастер всегда уделял графике, в том числе гравюре на дереве. В своем немецком поэтическом альбоме стихов Звуки (Klдnge, 1913) стремился к идеальной взаимосвязи беспредметных визуально-графических образов с текстом. Цели синтеза искусств ставил и в замысле спектакля Желтый звук, призванного объединить цвет, свет, движение и музыку (композитора Ф.А.Гартмана; спектакль, текст которого был помещен в альманахе Синий всадник, 1912, не осуществился из-за начала Первой мировой войны).

В 1914 вернулся в Россию, где жил в основном в Москве. Своеобразная «апокалиптика», чаяния всеобщего преображения-в-искусстве, характерные для его абстракций, приобретают в этот период все более тревожный и драматический характер. В 1918 издал автобиографическую книгу Ступени. Активно включился в общественную и гуманитарно-исследовательскую деятельность, входил в состав Наркомпроса, Института художественной культуры (Инхук) и Российской академии художественных наук (РАХН), преподавал в Высших художественно-технических мастерских (Вхутемас), однако, раздраженный идеологическими склоками, покинул Россию навсегда после того, как был послан в командировку в Берлин (1921).

В Германии преподавал в «Баухаусе» (с 1922, в Веймаре и Дессау), занимаясь в основном общей теорией формообразования; изложил свой педагогический опыт в книге Точка и линия на плоскости, изданной на немецком языке в 1926. Его космологические фантазии (графическая серия Малые миры, 1922) обретают в этот период более рационально-геометричный характер, сближаясь с принципами супрематизма и конструктивизма, но сохраняя свою яркую и ритмичную декоративность (В черном квадрате, 1923; Несколько кругов, 1926; обе картины - в Музее С.Гуггенхейма, Нью-Йорк). В 1924 мастер образовал вместе с Явленским, Л.Фейнингером и П.Клее объединение «Синяя четверка», устраивая с ними совместные выставки. Выступил как художник сценической версии сюиты М.П.Мусоргского Картинки с выставки в театре Дессау (1928). После закрытия нацистами «Баухауса» (1932) переехал в Берлин, а в 1933 — во Францию, где жил в Париже и его пригороде Нёйи-сюр-Сен. Испытав значительное воздействие сюрреализма, все чаще вводил в свои картины — наряду с прежними геометрическими структурами и знаками — биоморфные элементы, подобные неким первичным организмам, парящим в межпланетной пустоте. С началом немецкой оккупации (1939) намеревался эмигрировать в США и провел несколько месяцев в Пиренеях, но в итоге вернулся в Париж, где продолжал активно работать, в том числе над проектом комедийного фильма-балета, который намеревался создать совместно с композитором Гартманом. Умер Кандинский в Нейи-сюр-Сен 13 декабря 1944.

______________________________________________________________

Konstantine Korovin / Константин Коровин

Konstantin Alekseyevich Korovin (Russian:Константин Алексеевич Коровин, the first name often spelled Constantin) (November 23 [O.S. December 5] 1861, Moscow - September 11, 1939, Paris) was a leading Russian Impressionist painter.

Konstantin was born in Moscow to a merchant family officially registered as peasants of Vladimirgubernia. His father, Aleksey Mikhailovich Korovin, earned a University degree and was more interested in arts and music than in the family business established by Konstantin's grandfather. Konstantin's older brother Sergey Korovin was a notable realist painter. Konstantin's relative Illarion Pryanishnikov was also a prominent painter of the time and a teacher at the Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture. In 1875 Konstantin entered the Moscow School of Painting, Sculpturing and Architecture, where he learned   from Vasily Perov and Alexei Savrasov. His brother, Sergey was already a student of the School. During their scholar years Korovins became friends with their fellow students Valentin Serov and Isaac Levitan, Kontantin kept these friendship through the whole of his life. In 1881-1882, Korovin spent a year at the Imperial Academy of Arts in Saint Petersburg, but returned disappointed to the Moscow School of painting, sculpturing and architecture. He studied at the school under the new teacher Vasily Polenov until 1886. In 1885, Korovin made traveled to Paris and Spain. Paris was a shock for me… Impressionists… in them I found everything for what I was scolded back at home, in Moscow, he later wrote. Polenov introduced Korovin to Savva Mamontov's Abramtsevo circle: Viktor Vasnetsov, Apollinary Vasnetsov, Ilya Repin, Mark Antokolsky and others. The Abramtsevo circle's love for stilized Russian themes is reflected in Korovin's picture A Northern Idyll.   In 1885 Korovin works for Mamontov's Opera house. He designed the stage decor for Giuseppe Verdi's Aida, Léo Delibes' Lakme and Georges Bizet's Carmen. In 1888, Korovin traveled with Mamontov to Italy and Spain, where he produced painting On the balcony, Spanish women Leonora and Ampara. Konstantin traveled within Russia, Caucasus and Central Asia, exhibited with Peredvizhniki. He was painting in the Impressionist and later in the Art Nouveau style. In the 1890s, Korovin became a member of the Mir iskusstva art group. Korovin's subsequent works was strongly influenced by his travel to the North. In 1888 he was captivated by the stern northern landscapes, as seen in The Coast of Norway and The Northern Sea. His second trip to the North, with Valentin Serov in 1894, coincided with the construction of the Northern Railway. Korovin painted a large number of landscapes: Norwegian Port, Saint Trifon's Brook in Pechenega, Hammerfest: Aurora Borealis, The Coast at Murmansk and others. The paintings are built on a delicate web of shades of grey. The etude style of these works was typical for the Korovin's art of the 1890s. Using material from his northern trip, Korovin designed the Northern Railway pavilion at the All Russia Exhibition of 1896 at Nizhny Novgorod. In 1900, Korovin designed the Central Asia section of the Russian Empire pavilion on the Paris World Fair; and was awarded the Legion of Honour by the French government. In the beginning of the 20th century Korovin focused his attention on the theatre. He moved from Mamontov's opera to Mariinsky Theatre in Saint Petersburg. Departing from the tradition of the stage decor, which only indicated the place of action, Korovin produced a mood decor, which conveyed the general emotions of the performance. Korovin designed sets for Constantin Stanislavski's dramatic productions, as well as Mariinsky's operas and ballets. He did the stage design for such Mariinsky's productions as Faust(1899), The Little Humpbacked Horse (1901) and Sadko(1906) that became famous for their expressiveness. In 1905, Korovin became an Academician of Painting, and in 1909-1913 he was a professor at the Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture. One of the artist's favourite themes was Paris. He painted A Paris Cafe (1890s'), Cafe de la Paix (1905'), La Place de la Bastille (1906), Paris at Night; Le Boulevard Italien (1908'), Night Carnival (1901), Paris in the Evening (1907) and others. During the World War I Korovin worked as a camouflage consultant at the headquarters of one of the Russian armies and was often seen at the front line. After the October Revolution Korovin continued to work in the theatre, designing stage for Richard Wagner's Die Walküre and Siegfried as well as Pyotr Ilyich Tchaikovsky's Nutcracker (1918-1920). In 1923 Korovin moved to Paris by the advice of the Commissar of Enlightenment, Anatoliy Vasilievich Lunacharsky, to cure his heart condition and help Korovin's handicapped son. There was supposed to be a large exhibition of Korovin's works but the works were stolen and Korovin was left penniless. For years produced the numerous Russian winters and Paris boulevards just to make ends meet. In the last years of his life he produced stage designs for many of the major theatres of Europe,America, Asia and Australia, the most famous of which is his scenery for a production by the Turin Opera House of Nikolai Rimsky-Korsakov's The Golden Cockerel. Korovin died in Paris on September 11, 1939. Konstantin's son Alexey Korovin (1897-1950) was a notable Russian-French painter. Because of an accident during his childhood he had both feet amputated. Alexey committed suicide in 1950.

Коровин, Константин Алексеевич - живописец. Родился в Москве в 1861 году; происходит из богатых крестьян Владимирской губернии. В доме отца с детства встречался со многими художниками и под влиянием своего родственника, И.М. Прянишникова , с ранних лет вместе с братом Сергеем  начал заниматься рисованием. Учился в московском училище живописи, ваяния и зодчества, у Саврасова и Поленова ; последний оказал на Коровина большое влияние. Долго работал в Париже, где выставил в "Салоне" картину "Au petit matin". В Москве писал декорации для частной оперы С. Мамонтова, частью по эскизам Поленова и В. Васнецова , частью самостоятельно ("Улица в деревне Берендеев" для "Снегурочки", часть декораций к "Аиде" и "Алой Розе"). В 80-х и начале 90-х годов Коровин выставлял у передвижников; к этому периоду принадлежат его картины: "Испанки у окна", "Фонари", "Хозяйка". Когда Мамонтов, в 1894 году, снарядил экспедицию для исследования дальнего севера России, в ней принял участие Коровин, изучивший при этом природу, быт и архитектуру севера. К последующим годам относятся его картины "Зима в Лапландии" (1894), "На дальнем севере" (1894), "Гаммерфест" (северное сияние) (1898). По поручению Мамонтова, Коровин занялся устройством и декорированием "Северного павильона" на всероссийской выставке 1896 года в Нижнем Новгороде. Павильон был построен Коровиным в стиле северных деревянных строений и послужил прототипом для последующей русской деревянной архитектуры нового стиля. Внутри он был украшен рядом декоративных панно, изображавших жизнь и природу нашего севера, впоследствии перенесенных в здание вокзала Московско-Ярославской железной дороги. Коровину были поручены постройка и устройство русского кустарного отдела на парижской всемирной выставке 1900 года и декорирование сибирского и среднеазиатского павильона там же. Успех построек и декоративных панно Коровина был огромный (теперь эти панно в музее Александра III в Петрограде). С 1900 года Коровин состоит постоянным художником при Императорских театрах и дал ряд театральных постановок удивительного богатства красок и силы ("Дон Кихот", "Лебединое Озеро", "Дочь Фараона", "Руслан и Людмила", "Севильский цирюльник", "Аленький цветочек", "Хованщина", "Спящая Красавица", "Золотой петушок", "Царь Салтан" и другие). В 1901 году преподавал в Московском училище живописи и в Строгановском училище (в Москве). Тонкий колорист, отличный декоратор, Коровин явился первым русским художником, объединившим живопись с архитектурой. Он пишет мастерские пейзажи, в которых достигает большого живописного впечатления; кроме его северных пейзажей, выдаются его виды Парижа, например: "Boulevard des Capucines" (1898), "Cafe de la Paix ночью" (1905), "Boulevard des Italiens ночью" (1909), целая серия "Les feux de Paris" (1913), а также яркие южные пейзажи и этюды, например: "Татарская улица ночью" (1911), "Сад в горах" (1911), "Крым" (1914) и его интересные nature morte в дневном и ночном пейзаже. Им исполнено несколько чрезвычайно интересных портретов, например: княгини Голицыной (1898), Шаляпина (1912), г-жи С. (1913). Он много занимался художественной промышленностью, давая рисунки кустарям для мебели, резьбы, майолики; по его рисункам была устроена "Чайная комната" на выставке "Современное искусство" (в Санкт-Петербурге, в 1903 году).

_______________________________________________

Ivan Kramskoi / Иван Крамской

Ivan Nikolaevich Kramskoi (June 8 (O.S. May 27), 1837 - April 6 (O.S. March 24), 1887) (Russian:Иван Николаевич Крамской) was a Russian painter and art critic. He was the intellectual leader of the Russian democratic art movement 1860-1880.

He was originally from a poor petty-bourgeoisfamily. From 1857 to 1863 he studied at the St.Petersburg Academy of Arts; he reacted against academic art, and he was an initiator of the "revolt of fourteen" which ended with an expulsion from the Academy of arts its graduates, who organized Artel of Artists ("Артель художников"). Under the influence of ideas of the Russian revolutionary democrats Kramskoi asserted representation about a high public duty of artist, principles of realism, moral substance and a nationality of art. He became one of the main founders and ideologists of Company of Mobile Art Exhibitions (or Peredvizhniki). In 1863-1868 he taught at drawing school of a society of encouragement of applied arts. He created gallery of portraits of the largest Russian writers, scientific, artists and public figures (portraits: Leo Nikolayevitch Tolstoy, 1873, Ivan Shishkin, 1873, Pavel Mikhailovich Tretyakov, 1876, Mikhail Saltykov-Shchedrin, 1879, - all in Tretyakov Gallery; portrait of Botkin, 1880 - private collection, Moscow) in which expressive simplicity of a composition, clearness of figure emphasize the leading part of the profound psychological characteristic. Democratic sights of Kramskoi found the brightest expression in portraits of the peasants who reflected sincere riches and internal advantage of the person from people. Central Kramskoi’s   painting is "The Christ in desert” (1872, Tretyakov gallery). Continuing Alexander Ivanov's humanistic tradition, Kramskoi treated a religious plot in moral – philosophical plan. He gave the Christ dramatic experiences deeply psychological vital interpretation, idea of heroic self-sacrifice. Aspiring to expansion ideological-art maintenances of images, Kramskoi created art, worth on the verge of a portrait and a thematic picture ("Nekrasov during the period of "Last songs" ", 1877-78, "Unknown Woman", 1883, "Inconsolable to mountain", 1884, - all in Tretyakov gallery). They differ by interest to disclosing complex sincere movements, characters and destinies. A democratic orientation of Kramskoi’s art, his acute critical judgments about the art, and persevering searches of objective public criteria of an estimation of art peculiar to it rendered essential influence on development of democratic art and art idea in Russia in the last third of 19 century.

Крамской Иван Николаевич. Годы жизни: 1837г. - 1887г. Портретист, исторический живописец, рисовальщик. Родился в городе Острогожске Воронежской губернии в семье мелкого чиновника. С детства увлекался искусством и литературой. По окончании уездного училища (1850) служил писцом, затем ретушером у фотографа, с которым кочевал по России. В 1857 году оказался в Петербурге, работал в фотоателье А. И. Деньера. Осенью того же года поступил в Академию художеств, был учеником А. Т. Маркова. За картину "Моисей источает воду из скалы" (1863, местонахождение неизвестно; эскиз - в Таллинском музее) получил Малую золотую медаль. В годы учения сплотил вокруг себя передовую академическую молодежь. Возглавил протест выпускников Академии, отказавшихся писать картины ("программы") на заданный Советом, далекий от жизни сюжет. Вышедшие из Академии художники объединились в Петербургскую артель. Царившей здесь атмосфере взаимопомощи, сотрудничества и глубоких духовных интересов они во многом обязаны Крамскому. . В это время вполне определилось и призвание Крамского-портретиста. Тогда он чаще всего прибегал к своей излюбленной графической технике (с применением соуса, белил, итальянского карандаша). Так выполнены известные портреты художников А.И. Морозова (1868), И.И. Шишкина (1869), Г. Г. Мясоедова (1861), П.П. Чистякова (1861), Н.А. Кошелева (1866); все - в ГРМ. Некоторые подобные работы воспроизведены в данном издании. Характер живописного портрета - лишенного околичностей, тщательного по рисунку и светотеневой моделировке, но сдержанного по цветовой гамме - также складывается у Крамского в эти годы. Художественный язык соответствовал образу разночинца-демократа, который был нередким героем портретов мастера. Таковы "Автопортрет" художника (1867, ГТГ) и "Портрет агронома Вьюнникова" (1868, Музей БССР). В 1863-1868 годах Крамской преподавал в Рисовальной школе Общества поощрения художников. В концу десятилетия артель утеряла свое единство и общественное значение. Крамской вышел из ее состава (1870) и стал одним из создателей Товарищества передвижных художественных выставок. На первой выставке Товарищества экспонировались "Портрет Ф.А. Васильева" (ГТГ) и "Портрет М.М. Антокольского" (Музей БССР). Через год была показана картина "Христос в пустыне", замысел которой вынашивался несколько лет. По словам Крамского, "и у прежних художников Библия, Евангелие и мифология служили только предлогом к выражению совершенно современных им страстей и мыслей". Сам он, подобно Ге и Поленову, в образе Христа выразил идеал человека, исполненного высоких духовных помыслов, готовящего себя к самопожертвованию. К теме Христа художник неоднократно возвращался. Относящееся к ней большое полотно "Хохот" (ГРМ) осталось, однако, незаконченным. Собирая для него материал, Крамской побывал в Италии (1876). Выезжал он в Европу и в последующие годы. Преобладающей областью художественных достижений оставался для Крамского портрет. В 1870-е - начале 1880-х годов выполнены многие его лучшие работы, в том числе цикл портретов выдающихся людей эпохи: Л.Н.Толстого (1873, ГТГ), Н.А. Некрасова (1877 и 1877-1878, ГТГ), П.М. Третьякова (1876, ГТГ), И.И. Шишкина (1880, ГРМ) и других. Были созданы также собирательные портреты крестьян: "Полесовщик" (1874, ГТГ), "Мина Моисеев" (1882, ГРМ), "Крестьянин с уздечкой" (1883, КМРИ). Неоднократно Крамской обращался к такой форме картины, в которой как бы соприкасались два жанра - портретный и бытовой. Таковы "Неизвестная" ("Незнакомка", 1883), "Неутешное горе" (1884, ГТГ; варианты - ГРМ и Музей Латв. ССР). В течение всей жизни художнику приходилось выполнять также многочисленные церковные и портретные заказы, служившие для него источником заработка. Крамской - выдающаяся фигура в культурной жизни России 1860-1880-х годов. Организатор Петербургской артели, один из создателей объединения передвижников, тонкий художественный критик, страстно заинтересованный в судьбах русского искусства, он был идеологом целого поколения художников-реалистов.

________________________________________________________

Arkhip Kuindzhi / Архип Куинджи

Arkhip Ivanovich Kuindzhi (or Arkhip Kuinji , Russian: Архип Иванович Куинджи (January 27, 1842 (?) – July 24, 1910) - Russian landscape painter.

Arkhip Kuindzhi was born in January 1841 in Mariupol (present-day Ukraine), but he spent his youth in the city of Taganrog. He grew up in a poor family, and his father was a Greek shoemaker Ivan Khristoforovich Kuindzhi (sometimes spelt Emendzhi). Arkhip was six years old when he lost his parents, so that he was forced to make his living, working at the church building site, grazing domestic animals, and working at the corn merchant's shop. During the five years, from 1860 to 1865, Arkhip Kuindzhi worked as retoucher in the photo studio of Isakovich in Taganrog. Kuindzhi tried to open his own photographer's studio, but without success. After that Kuindzhi left Taganrog for Saint Petersburg. He studied painting mainly independently and in St.Petersburg Academy of arts (from 1868; the full member since 1893). He was co-partner of mobile art exhibitions (Peredvizhniki, a group of Russian realist artists who in protest to academic restrictions formed an artists' cooperative, which evolved into the Society for Traveling Art Exhibitions (Peredvizhniki in 1870. During this early period Kuinczhy felt Ivan Aivazovsky's influence. In 1872 the artist left the academy and worked as a freelancer. The painting Na ostrove Valaam (On the Valaam Island) was the first artwork, which Pavel Tretyakov acquired for his art gallery. In 1873, Kuindzhi exhibited his painting The Snow, which received the bronze medal at the International Art Exhibition in London in 1874. In the middle of 1870s he created a number of paintings in which the landscape motif was designed for concrete social associations in the spirit of Peredvizhniki (Forgotten village, 1874; Chumatski path, 1875; both - in Tretyakov gallery). In his mature period Kuindzhy aspired to transfer the most expressive on illumination of a condition of the nature. He applied composite receptions (high horizon, etc.), creating panoramic views. Using light effects and intense colors shown in main tones, he depicted the illusion of illumination (The Ukrainian night, 1876; Birch Grove, 1879; After a thunderstorm, 1879; all three are in Tretyakov Gallery; Night on Dnepr, 1880 in Russian museum, St.Petersburg). His later works are remarkable by decorative effects of color building. Kuindzhi lectured at the St.Petersburg Academy of arts (Professor since 1892; professor-head of landscape workshop since 1894; but he was fired in 1897 for support of student's protests). Among his students were artists such as Arkady Rylov, Nicholas Roerich, Konstantin Bogaevsky, and others. Kuindzhi initiated creation of the Society of artists (1909; later - the Society named after A.I. Kuindzhi).

Куинджи Архип Иванович - известный русский пейзажист, родился 15 января 1841 г., учился у Айвазовского и в течении короткого времени в академии художеств, от которой в 1878 г. получил звание классного художника 1 степени. Первые его картины: "Татарская деревня при лунном освещении", "Виды Валаама и Ладожского озера", "Исаакиевский собор при лунном освещении" еще неясно указывали на его направление. Затем явились "Оставленная деревня", "Лунная ночь на Украине" (Третьяковская галерея в Москве), которые дали ему большую известность в публике. За этим следовали: "Поле и река перед грозой", "Ночь на Днепре" (у великого князя Константина Константиновича), "Березы на поляне", "Березовая роща", "Утро на Днепре" (Третьяковская галерея), "Закат солнца в лесу" и некоторые др.Вообще он написал немного картин и вот уже десять лет как не выставляет новых. По целостности впечатления, производимого картинами Куинджи, он напоминает Айвазовского, подобно которому он также пренебрегает околичностями, но Куинджи более однороден в тонах каждой картины и, сосредоточивая тем внимание зрителя, не дает ему разнообразия после удовлетворения первого впечатления. Однако, в выбранных тонах он представляет удивительные градации полутонами, чем достигал иногда полной оптической иллюзии. Особенное возбуждение произвела его "Ночь на Днепре", где лунное сияние вдали на реке выражено с полной иллюзией. В письмах Крамского (изд. Стасова) можно читать, какое сильное впечатление произвела эта картина на художников. Свидетельствуя о чрезвычайном искусстве Куинджи, Крамской, однако, сомневается, чтобы картина могла в неизменном виде дойти до потомства. Действительно, изменяемость красок была причиной, что в несколько лет картины Куинджи потеряли, к сожалению, многое из своего богатства полутонов. По введении в действие нового временного штата академии художеств, Куинджи сделан членом ее совета и профессором-руководителем ее пейзажной мастерской.

__________________________________________

Boris Kustodiev / Борис Кустодиев

Boris Mikhaylovich Kustodiev (Russian: Бори́с Миха́йлович Кусто́диев) (March 7, 1878–May 28, 1927) was a Russian painter and stage designer.[1][2]

Boris Kustodiev was born in Astrakhan into the family of a professor of philosophy, history of literature, and logic at the local theological seminary. His father died young, and all financial and material burdens laid on his mother's shoulders. The Kustodiev family rented a small wing in a rich merchant's house. It was there that the boy's first impressions were formed of the way of life of the provincial merchant class. The artist later wrote, "The whole tenor of the rich and plentiful merchant way of life was there right under my nose... It was like something out of an Ostrovsky play." The artist retained these childhood observations for years, recreating them later in oils and water-colours. Between 1893 and 1896, Boris studied in theological seminary and took private art lessons in Astrakhan from Pavel Vlasov, a pupil of Vasily Perov. Subsequently, from 1896 to 1903, he attended Ilya Repin’s studio at the Imperial Academy of Arts in St. Petersburg. Concurrently, he took classes in sculpture under Dmitry Stelletsky and in etching under Vasiliy Mate. He first exhibited in 1896. When Repin was commissioned to paint a large-scale canvas to commemorate the 100th anniversary of the State Council, he invited Kustodiev to be his assistant. The painting was extremely complex and involved a great deal of hard work. Together with his teacher, the young artist made portrait studies tor the painting, and then executed the right-hand side of the final work. Also at this time, Kustodiev made a series of portraits of contemporaries whom he felt to be his spiritual comrades. These included the artist Ivan Bilibin (1901,Russian Museum), Moldovtsev (1901, KrasnodarRegional Art Museum), and the engraver Mate (1902, Russian Museum). Working on these portraits considerably helped the artist, forcing him to make a close study of his model and to penetrate the complex world of the human soul. In 1903, he married Julia Proshinskaya (1880–1942). He visited France and Spain on a grant from the Imperial Academy of Arts in 1904. Also in 1904, he attended the private studio of René Ménard in Paris. After that he traveled to Spain, then, in 1907, to Italy, and in 1909 he visited Austria and Germany, and again France and Italy. During these years he painted many portraits and genre pieces. However, no   matter where Kustodiev happened to be—in sunny Seville or in the park at Versailles—he felt the irresistible pull of his motherland. After five months in France he returned to Russia. Joyfully he wrote to his friend Mate that he was back once more "in our blessed Russian land". The Russian Revolution of 1905, which shook the foundations of society, evoked a vivid response in the artist's soul. He contributed to the satirical journals Zhupel (Bugbear) and Adskaya Pochta (Hell’s Mail). At that time, he first met the artists of Mir Iskusstva (World of Art), a group of innovative Russian artists. He joined their association in 1910 and subsequently took part in all their exhibitions. In 1905, Kustodiev first turned to book illustrating, a genre in which he worked throughout his entire life. He illustrated many works of classical Russian literature, including Nikolai Gogol's Dead Souls, The Carriage, and The Overcoat; Mikhail Lermontov's The Lay of Tsar Ivan Vasilyevich, His Young Oprichnik and the Stouthearted Merchant Kalashnikov; and Leo Tolstoy's How the Devil Stole the Peasants Hunk of Bread and The Candle.In 1909, he was elected into Imperial Academy of Arts. He continued to work intensively, but a grave illness—tuberculosis of the spine—required urgent attention. On the advice of his doctors he went to Switzerland, where he spent a year undergoing treatment   in a private clinic. He pined for his distant homeland, and Russian themes continued to provide the basic material for the works he painted during that year. In 1918, he painted The Merchant's Wife, which became the most famous of his paintings. In 1916, he became paraplegic.  "Now my whole world is my room", he wrote. His ability to remain joyful and lively despite his paralysis was amazing. His colourful paintings and joyful genre pieces do not reveal his physical suffering, and on the contrary give the impression of a carefree and   cheerful life. His Pancake Tuesday/Maslenitsa (1916) and Fontanka (1916) are all painted from his memories. He meticulously restores his own childhood in the busy city on the Volga banks. In the first years after the Russian Revolution of 1917 the artist worked with great inspiration in various fields. Contemporary themes became the basis for his work, being embodied in drawings for calendars and book covers, and in illustrations and sketches of street decorations. His covers for the journals The Red Cornfield and Red Panorama attracted attention because of their vividness and the sharpness of their subject matter. Kustodiev also worked in lithography, illustrating works by Nekrasov. His illustrations for Leskov's stories The Darner and Lady Macbeth of the Mtsensk District were landmarks in the history of Russian book designing, so well did they correspond to the literary images. The artist was also interested in designing stage scenery. He first started work in the theatre in 1911, when he designed the sets for Alexandr Ostrovskv's An Ardent Heart. Such was his success that further orders came pouring in. In 1913, he designed the sets and costumes for The Death of Pazukhin at the Moscow Art Theatre. His talent in this sphere was especially apparent in his work for Ostrovsky's plays; It's a Family Affair, A Stroke of Luck, Wolves and Sheep, and The Storm. The milieu of Ostrovsky's plays—provincial life and the world of the merchant class—was close to Kustodiev's own genre paintings, and he worked easily and quickly on the stage sets. In 1923, Kustodiev joined the Association of Artists of Revolutionary Russia. He continued to paint, make engravings, illustrate books, and design for the theater up until his death on May 28, 1927, in Leningrad.

Кустодиев Борис Михайлович [23.2 (7.3).1878, Астрахань ,- 26.5.1927, Ленинград], советский живописец, график и театральный художник. Учился в Петербургской Академии Художеств (1896-1903) у И. Е. Репина, участвовал в работе над его картиной "Заседание Государственного совета" (1901-03, Русский музей, Ленинград). Академик петерб. АХ (1909). Член Союза русских художников (с 1907), "Мира искусства" (с 1911), АХРР (с 1923). В 1905-07 сотрудничал в революционных сатирических журналах "Жупел" (рис. "Вступление. Москва"), "Адская почта" и "Искры". С 1906 Кустодиев выступал с сериями картин на темы праздничного крестьянского и провинциального мещанско-купеческого быта ("Ярмарки", "Деревенские праздники", "Масленицы", "Балаганы"); для этих работ характерны развёрнутая повествовательность, яркая многоцветность, жизненная достоверность в деталях и сближающие Кустодиева с практикой "модерна" линейно-плоскостное, декоративное решение композиции, игра разномасштабными фигурами и планами. В дальнейшем, идя по пути большей стилизации, Кустодиев превращает свои бытовые сцены в театрализованные картины-зрелища, а своих персонажей - в собирательные образы-типы, олицетворение сытой купеческой России. Откровенно любуясь материально-телесным изобилием, пёстрым узорочьем изображаемого мира, иногда идеализируя его, Кустодиев в то же время относится к нему иронически, даёт почувствовать его самодовольство и косность ("Купчихи", темпера, 1912, Музей русского иск-ва, Киев; "Красавица", 1915, Третьяковская гал.; "Купчиха за чаем", 1918, Рус. музей).

__________________________________________________________________

Isaac Levitan / Исаак Левитан

Isaac Ilyich Levitan (August 30, 1860 - July 22 August 4 new style, 1900) was a classical Russian landscapepainter who advanced the genre of the mood landscape.
Isaac Levitan was born in a shtetl of Kybartai,Kaunas region, Lithuania, into a poor but educated Jewish family. His father Elyashiv Levitan was the son of a rabbi, completed a Yeshiva and was self-educated. He taught German and French in Kaunas and later worked as a translator at a railway bridge construction for a French building company. At the beginning of 1870 the Levitan family moved to Moscow. In September 1873, Isaac Levitan entered the Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture where his older brother Avel had already studied for two years. After a year in the copying class Isaac transferred into a naturalistic class, and soon thereafter into a landscape class. Levitan's teachers were the famous Savrasov, V.G. Perov and V.D. Polenov. For his successes at school, Levitan was awarded a box of paints and two dozen brushes. In 1875, his mother died, and his father fell seriously ill and became unable to support four children; he died in 1879. The family slipped into abject poverty. As patronage for Levitan's talent and achievements and to keep him in the school, he was given a scholarship.
In 1877, Isaac Levitan's works were first publicly exhibited and earned favorable recognition from the press. After Alexander Soloviev's assassination attempt on Alexander II, in May 1879, mass deportations of Jews from big cities of the Russian Empire forced the family to move to the suburb of Saltykovka, but in the fall officials responded to pressure from art devotees, and Levitan was allowed to return. In 1880 his painting Осенний день. Сокольники (Autumn day. Sokolniki) was bought by famous philanthropist and art collector Pavel Mikhailovich Tretyakov. (See also Tretyakov Gallery) In the spring of 1884 Levitan participated in the mobile art exhibition by the group known as the Peredvizhniki and in 1891 became a member of the Peredvizhniki partnership. During his study in the Moscow School of painting, sculpturing and architecture, Levitan befriended Konstantin Korovin, Mikhail Nesterov, architect Fyodor Shekhtel, and the painter Nikolai Chekhov, whose famous brother Anton Chekhov became the artist's closest friend. Levitan often visited Chekhov and some think Levitan was in love with his sister, Maria Pavlovna Chekhova. In the early 1880s Levitan collaborated with the Chekhov brothers on the illustrated magazine "Moscow" and illustrated the M. Fabritsius edition "Kremlin". Together with Korovin in 1885-1886 he painted scenery for performances of the Private Russian opera of S.I.Mamontov. In the 1880s he participated in the drawing and watercolor gatherings at Polenov’s house.
Levitan's work was a profound response to the lyrical charm of the Russian landscape. Levitan did not paint urban landscapes; with the exception of the View of Simonov Monastery (whereabouts unknown), mentioned by Nesterov, the city of Moscow appears only in the painting Illumination of the Kremlin. During the late 1870s he often worked in the vicinity of Moscow, and created the special variant of the "landscape of mood", in which the shape and condition of nature are spiritualized, and become carriers of conditions of the human soul (Autumn day. Sokolniki, 1879). During work in Ostankino, he painted fragments of the mansion’s house and park, but he was most fond of poetic places in the forest or modest countryside. Characteristic of his work is a hushed and nearly melancholic reverie amidst pastoral landscapes largely devoid of human presence. Fine examples of these qualities include The Vladimirka Road, 1892 Evening Bells, 1892, and Eternal Rest, 1894, all in the Tretyakov Gallery. Though his late work displayed familiarity withImpressionism, his palette was generally muted, and his tendencies were more naturalistic and poetic than optical or scientific.
In the summer of 1890 Levitan went to Yuryevets   (Юрьевец) and among numerous landscapes and etudes he painted The View of Krivooserski monastery. So the plan of one of his best pictures, The Silent Monastery, was born. The image of a silent monastery and planked bridges over the river, connecting it with the outside world, expressed the artist's spiritual reflections. It is known that this picture made a strong impression on Chekhov. In 1897, already world-famous, he was elected to the Imperial Academy of Arts and in 1898 he was named the head of the Landscape Studio at his alma mater. Levitan spent the last year of his life at Chekhov’s home in Crimea. In spite of the effects of a terminal illness, his last works are increasingly filled with light. They reflect tranquility and the eternal beauty of Russian   nature. He was buried in Dorogomilovo Jewish cemetery. In April 1941 Levitan's remains were moved to the Novodevichy Cemetery, next to Chekhov's necropolis. Levitan did not have a family or children. Isaac Levitan's hugely influential art heritage consists of more than a thousand paintings, among them watercolors, pastels, graphics, and illustrations.

Исаак Ильич Левитан родился 30 августа 1860 года в небольшом литовском городке Кибарты Ковенской губернии. Отец его был мелким служащим, семья была большой и жила небогато. В начале 70-х годов Семья Левитана переезжает в Москву, затем скоропостижно скончалась мать Исаака, а спустя непродолжительное время умирает и отец. В тринадцатилетнем возрасте Левитан поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. В сентябре 1876 года Левитан обучается в пейзажной мастерской А. К. Саврасова, а позже его учителем становится В. Д. Поленов.
Благодаря своему таланту и трудолюбию Левитан отлично закончил училище, однако Совет училища отказал ему в присуждении Большой серебряной медали. После окончания училища Левитан принимал участие в передвижных выставках, его картины пользовались большим успехом.
Так, его произведение "Осенний день. Сокольники", было в 1880 году приобретено Третьяковым , что явилось признанием художественного таланта Левитана. Помимо пейзажной живописи Левитан также работал над декорациями для Московской частной русской оперы С. И. Мамонтова. В 1880-1884 годы Исаак Левитан пишет с натуры в Останкине. Результатом становятся такие его работы, как "Сосны", "Дубовая роща. Осень", "Дуб". В 1887 году Левитан отправляется на Волгу. Волжская природа дает художнику новые пейзажные сюжеты, появляются полотна "Вечер. Золотой Плёс", "После дождя. Плёс", "Вечер на Волге".
С 1890 по 1895 год Левитаном написаны лучшие его произведения. Это картины "У омута", "Над вечным покоем", "Владимирка". Картину "Владимирка" Исаак Левитан преподнес в дар Третьяковской галерее. Весной 1894 года художник приезжает в Тверскую губернию, здесь им были написаны такие полотна, как "Весна. Последний снег","Март", "Цветущие яблони", "Золотая осень", "Большая дорога. Осенний солнечный день". В 1898 году Исаак Левитан удостаиватся звания академика пейзажной живописи. Художник преподает в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, где сам когда-то учился. Его картины с успехом демонстрируются на Всемирной выставке в Париже, на выставке в Мюнхене. Но вскоре здоровье Левитана резко ухудшается, лечение за границей мало помогает. 4 августа 1900 года Исаак Левитан скончался.

__________________________________________

Konstantine Makovsky / Константин Маковский

Konstantin Yegorovich Makovsky (June 20 [O.S. July 2] 1839 —September 17 [O.S. September 30] 1915) was an influential Russian painter, affiliated with the "Wanderers". Many of his historical paintings, such as The Russian Bride's Attire (1889), showed an idealized view of Russian life of prior centuries. He is often considered a representative of a Salon art.

Konstantin was born in Moscow as the older son of a Russian art figure and amateur painter, Yegor Ivanovich Makovsky. Yegor Makovsky was the founder of Natural class (Russian: Натурный класс), the art school that later became as the famous Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture. Among the friends of the family were Karl Briullov and Vasily Tropinin. All children of Yegor became notable painters (see Makovsky). Later Konstantin wrote For what I became I think I should thank not the Academy or Professors but only my father. In 1851 Konstantin entered the Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture where he became the top student, easily getting all the available awards. His teachers were МM.I.   Skotty, A.N. Mokritsky, S.K. Zaryanko, all of them pupils of Karl Brullov. Makovsky's inclinations to Romanticism and decorative effects can be explained by the influence of Briullov. In 1858 Makovsky entered the Imperial Academy of Arts in Saint Petersburg. From 1860 he participated in the exhibitions of Academia with   paintings such as Curing of the Blind (1860) and Agents of the False Dmitry kill the son of Boris Godunov (1862). In 1863 Makovsky, together with the other 13 students eligible to participate in the competition for the Large Gold Medal of Academia, refused to paint on the set topic in Scandinavian mythology and instead left Academia without a formal diploma. Makovsky became a member of a co-operative (artel) of artists led by Ivan Kramskoi, typically producing Wanderers paintings on everyday life (Widow 1865, Herring-seller 1867, etc.). From 1870 he was a founding member of the Society for Traveling Art Exhibitions and continued to work on paintings devoted to everyday life. He exhibited his works on both the Academia exhibitions and the Traveling Art Exhibitions of the Wanderers. A significant change in his style occurred after traveling to Egypt and Serbia in the mid-1870s. His interests changed from social and psychological problems to the artistic problems of colors and shape. In the 1880s he became a fashioned author of portraits and historical paintings. At the World's Fair of 1889 in Paris he received the Large Gold Medal for his paintings Death of Ivan the Terrible, The Judgement of Paris, and Demon and Tamara. He was one of the most highly appreciated and highly paid Russian artists of the time. Many democratic critics considered him as a renegade of the Wanderers' ideals, producing (like Henryk Siemiradzki) striking but shallow works, while others see him as a forerunner of Russian Impressionism. Makovsky became a victim of a road accident (his horse-driven carriage was hit by an electric tram) and died in 1915 in Saint Petersburg.

Константин Егорович Маковский, родился 20 июня (2 июля) 1839 года. Его отец, Егор Иванович, был известным художественным деятелем Москвы, одним из учредителей Натурного класса. Творческая атмосфера окружала будущего художника и его брата с самого детства. В доме отца постоянно бывали знаменитые живописцы, преподаватели училища. Неудивительно, что все дети Егора Ивановича: дочь Александра, сыновья Константин, Николай и Владимир, воспитанные в духе любви к искусству, под влиянием отца, эрудита и энтузиаста, стали художниками. "Тем, что из меня вышло, я считаю обязанным себя не академии, не профессорам, а исключительно моему отцу", - писал на склоне лет К.Маковский. В 1861 году Владимир решает начать обучение в московском Училище живописи и ваяния. Учился Константин Маковский весьма успешно, получая многочисленные награды и призы. Его учителя, Е.С. Сорокин и К.С. Зарянко, привили ему серьезные навыки в рисунке, умение точно передавать материальность предметов. В 1866 году Маковский окончил училище и был удостоен большой серебряной медали за картину «Литературное чтение». Продолжая свое образование в Академии художеств в Петербурге, Маковский в 1869 году за картину «Крестьянские мальчики в ночном стерегут лошадей», перекликающуюся по сюжету с рассказом Тургенева «Бежин луг», получил золотую медаль и звание художника первой степени. Своеобразным продолжением темы можно считать картину «Игра в бабки» (1870). Художник тонко подметил характерные черты своих маленьких героев, ему, несомненно, удался и русский сельский пейзаж, но, несомненно, одной из лучших картин в раннем творчестве Маковского можно по праву считать "Народное гулянье во время масленицы на Адмиралтейской площади в Петербурге".  В 1863 году вместе с тринадцатью другими выпускниками Академии - претендентами на большую золотую медаль К.Маковский отказался писать картину на предложенный сюжет из скандинавской мифологии и покинул Академию, так и не выйдя на дипломную программу. Однако в том же году стал активным членом знаменитой петербургской Артели художников, возглавляемой Иваном Николаевичем Крамским. В 1872-1873 годах художник пишет картину «Любители соловьев», за которую был награжден 1-й премией Общества поощрения художеств и был удостоен звания академика. Вырабатывая свой собственный изящный и эффектный стиль, К.Маковский стал постепенно отходить от коллективных форм художественной жизни, превращаясь в "маэстро" с определенным кругом излюбленных тем, жанров и приемов живописи. Еще в ранние годы художник писал портреты на заказ, а вскоре превратился в модного портретиста. Портреты его работы, особенно женские и детские. Прозрачная подвижная фактура, красочность и внимание к красивому антуражу стали главными причинами небывалого успеха живописи Маковского. Но окончательно то своеобразное явление, которое можно назвать "феноменом Константина Маковского", сформировалось только в 80-е годы, когда художник отошел от передвижников и стал устраивать персональные выставки своих произведений. В 1883 году он показал, таким образом, картину "Боярский свадебный пир в XVII столетии", которая была вскоре куплена в Америку. Это работа скорее интересна с этнографической точки зрения: художник тщательно выписывает костюмы персонажей, аксессуары, детали бытового окружения. За ней последовали "Выбор невесты царем Алексеем Михайловичем" (1886), "Смерть Ивана Грозного" (1888), "Одевание невесты к венцу" (1890), "Поцелуйный обряд" (1895, ГРМ). Благодаря обилию бытовых подробностей, антикварной красоте антуража, "благородным" цветам, приведенным в единство общим золотистым тоном, эти произведения пользовались неизменным успехом, как в России, так и на международных выставках. На Всемирной выставке 1889 года в Париже К.Маковский за картины "Смерть Ивана Грозного", "Суд Париса" и "Демон и Тамара" был удостоен золотой медали. Иностранные коллекционеры охотно покупали экзотические "боярские жанры", поэтому большинство подобных работ художника ушло из России. Несомненно, можно сказать, что восьмидесятые - начало девяностых годов - период расцвета творчества художника. В эти годы появляются на свет великолепные произведения, как «Крах банка» (1881), «Оправданная» (1882), «Свидание» (1883), «На бульваре» (1886-1887), «Ночлежный дом» (1889). В поздних работах Маковский часто пишет на малозначительные темы, при этом проявляет себя великолепным рассказчиком и тонким знатоком человеческой психологии «Школьные товарищи» (1909), «Последняя ступень» (1911), «Приживалка» (1912), «Ожидание аудиенции» (1904), «На солнышке» (1885-1914). В 1918 году Маковский, получив пенсию, покидает Академию художеств.  21 февраля 1920 года Константин Маковский скончался. Легкий успех К.Маковского, его поверхностность, красочность и внимание к красивому антуражу, стали главными причинами небывалого успеха его живописи.
_____________________________________________________

Kazimir Malevich / Казимир Малевич

Kazimir Severinovich Malevich (February 23, 1878 – May 15, 1935) was a painter and art theoretician of Polish descent, pioneer of geometric abstract art and one of the most important members of the Russian avant-garde and Suprematist movement.

Kazimir Malevich was born near Kiev, Ukraine. His parents, Seweryn and Ludwika Malewicz, were ethnic Poles, and he was baptised in the Roman Catholic Church. His father was the manager of a sugar factory. Kazimir was the first of fourteen children, although only nine of the children survived into adulthood. His family moved often and he spent most of his childhood in the villages of Ukraine beside sugar-beet plantations, far from centers of culture. Until age 12 or 13 he knew nothing of professional artists, though peasant art had surrounded him in childhood. He delighted in peasant embroidery, and in decorated walls and stoves. He himself was able to paint in the peasant style. He studied drawing in Kiev from 1895 to 1896. In 1904, after the death of his father, he moved to Moscow. He studied at the Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture from 1904 to 1910 and in the studio of Fedor Rerberg in Moscow (1904–1910). In 1911 he participated in the second exhibition of the group Soyuz Molodyozhi (Union of Youth) in St. Petersburg, together with Vladimir Tatlin and, in 1912, the group held its third exhibition, including works by Aleksandra Ekster, Tatlin and others. In the same year he participated in exhibition of the collective Donkey's Tail in Moscow. By that time his works were influenced by Natalia Goncharova and Mikhail Larionov, Russian avant-guarde painters who were particularly interested in Russian folk art called lubok. In March 1913 in Moscow was opened a major exhibition of Aristarkh Lentulov's paintings. The effect of this exhibition was comparable with the one of Paul Cezanne in Paris in 1907, as all the main Russian avant-garde artists of the time including Malevich immediately absorbed the cubist principles and started using them in his works. Already in the same year Cubo-Futurist opera Victory Over the Sun with Malevich's stage-set became a great success. In 1914 Malevich exhibited his works in the Salon des Independants in Paris together with Alexander Archipenko, Sonia Delaunay, Aleksandra Ekster and Vadim Meller, among others. It remains one of a great mysteries of 20th century art, how, while leading a comfortable career, during which he just followed all the latest trends in art, in 1915 Malevich suddenly came up with the idea of Suprematism. The fact that Malevich throughout all his life was signing and re-signing his works using earlier dates makes this u-turn in his artistic career even more ambiguous. However in 1915 he published his manifesto From Cubism to Suprematism. In 1915-1916 he worked with other Suprematist artists in a peasant/artisan co-operative in Skoptsi and Verbovkavillage. In 1916-1917 he participated in exhibitions of the Jack of Diamonds group in Moscow together with Nathan Altman, David Burliuk and A. Ekster, among others. Famous examples of his Suprematist works include Black Square (1915) and White on White(1918). Malevich also acknowledged that his fascination with aerial photography and aviation led him to abstractions inspired by or derived from aerial landscapes. Harvard doctoral candidate Julia Bekman Chadaga writes: “In his later writings, Malevich defined the 'additional element' as the quality of any new visual environment bringing about a change in perception Malevich was a member of the Collegium on the Arts of Narkompros, the commission for the protection of monuments and the museums commission (all from 1918-1919). He taught at the Vitebsk Practical Art School in the USSR (now part of Belarus) (1919-1922), the Leningrad Academy of Arts (1922-1927), the Kiev State Art Institute (1927-1929), and the House of the Arts in Leningrad (1930). He wrote the book The World as Non-Objectivity (Munich 1926; English trans. 1976) which outlines his Suprematist theories. In 1927, he traveled to Warsaw and then to Germany for a retrospective that brought him international fame, and arranged to leave most of the paintings behind when he returned to the Soviet Union. When the Stalinist regime turned against modernist, considering it a type of "bourgeois" art, many of his works were confiscated. Critics derided Malevich for reaching art by negating everything good and pure: love of life and love of nature. The Westernizer artist and art historian Alexandre Benois was one such critic. Malevich responded that art can advance and develop for art's sake alone, regardless of its pleasure: art does not need us, and it never needed us since stars first shone in the sky.

Малевич, Казимир Северинович (1878-1935), русский художник, теоретик искусства и философ. Родился в Киеве 11 (23) февраля 1878 в семье выходцев из Польши (отец его работал управляющим на сахарных заводах). В 1895-1896 учился в Киевской рисовальной школе Н.И.Мурашко; приехав в 1905 в Москву, занимался в студии Ф.И.Рерберга. Прошел путь практически через все стили того времени — от живописи в духе передвижников к импрессионизму и мистическому символизму, а затем к постимпрессионистическому «примитиву» (Мозольный оператор в бане, 1911-1912, Городской музей, Амстердам). Был участником выставок «Бубновый валет» и «Ослиный хвост», членом «Союза молодежи». Жил в Москве (до 1918) и Ленинграде. Разоблачая академические художественные стереотипы, проявил яркий темперамент критика-полемиста. В его работах первой половины 1910-х годов, все более задорно-новаторских, полуабстрактных, определился стиль кубофутуризма, соединивший кубистическую пластику форм с футуристической динамикой (Точильщик (Принцип мелькания), 1912, галерея Йельского университета, Нью-Хейвен, США; Лесоруб, 1912-1913, Городской музей, Амстердам). Важное значение в эти годы получил у Малевича и метод «заумного реализма», поэтика абсурда, алогичного гротеска (Англичанин в Москве, там же; Авиатор, Русский музей, Петербург; обе работы — 1914). После начала войны исполнил цикл патриотических агитлистков (с текстами В.В.Маяковского) для издательства «Современный лубок». Ключевой смысл для мастера имела работа над оформлением оперы Победа над Солнцем. После Октябрьской революции Малевич сперва выступает как «художник-комиссар», активно участвуя в революционных преобразованиях, в том числе в монументальной агитации. Славит «новую планету» искусства авангарда в статьях в газете «Анархия» (1918). Итоги своих поисков подводит в годы пребывания в Витебске (1919-1922), где создает «Объединение утвердителей нового искусства» (Уновис), стремясь (в том числе и в главном своем философском труде Мир как беспредметность) наметить универсальную художественно-педагогическую систему, решительно переоформляющую взаимоотношения человека и природы. По возвращении из Витебска Малевич возглавил (с 1923) Государственный институт художественной культуры (Гинхук), выдвинув идеи, радикально обновившие современный дизайн и архитектуру (объемный, трехмерный супрематизм, воплощенный в бытовых вещах (изделия из фарфора) и строительных моделях, так называемых «архитектонах»). Малевич мечтает об уходе в «чистый дизайн», все более отчуждаясь от революционной утопии. Ноты тревожного отчуждения характерны для многих его станковых вещей конца 1910-1930-х годов, где доминируют мотивы безликости, одиночества, пустоты — уже не космически-первозданной, а вполне земной (цикл картин с фигурами крестьян на фоне пустых полей, а также полотно Красный дом, 1932, Русский музей). В поздних полотнах мастер возвращается к классическим принципам построения картины (Автопортрет, 1933, там же). Власти относятся к деятельности Малевича все с большим подозрением (его дважды, в 1927 × 1930, арестовывают). К концу жизни он попадает в обстановку социальной изоляции. Самобытная «школа Малевича», образовавшаяся из его витебских и ленинградских учеников (В.М.Ермолаева, А.А.Лепорская, Н.М.Суетин, Л.М.Хидекель, И.Г.Чашник и другие) уходит либо в прикладной дизайн, либо в подпольно-«неофициальное» искусство. Опасаясь за судьбу своего наследия, в 1927, во время заграничной командировки, мастер оставил значительную часть своих картин и архива в Берлине (позднее они легли в основу фонда Малевича в амстердамском Городском музее). Умер Малевич в Ленинграде 15 мая 1935.
___________________________________________________

Mikhail Nesterov / Михаил Нестеров

Mikhail Vasilyevich Nesterov (May 19, 1862, Ufa - October 18, 1942, Moscow) was a leading representative of religious Symbolism in Russian art. He studied under Pavel Tchistyakov at the Imperial Academy of Arts, but later allied himself with the group of artists known as the Peredvizhniki. His canvas The Vision of the Youth Bartholomew (1890-91), depicting the conversion of Sergii Radonezhsky, is often considered to mark the inauguration of the Russian Symbolist movement. From 1890 to 1910, Nesterov lived in Kiev and St Petersburg, working on frescoes in St. Vladimir's Cathedral and the Church on Spilt Blood, respectively. After 1910, he spent the remainder of his life in Moscow, working in the Marfo-Mariinsky Convent. As a devout Orthodox Christian, he did not accept the Bolshevik Revolution but remained in Russia until his death, painting the portraits of Ivan Ilyin, Ivan Pavlov, Otto Schmidt, and Vera Mukhina, among others.

Михаил Васильевич Нестеров родился в Уфе 19 (31) мая 1862 в купеческой семье. Получил высшее художественное образование в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1877–1881 и 1884–1886), где его наставниками были В.Г.Перов, А.К.Саврасов, И.М.Прянишников, а также в Академии художеств (1881–1884), где учился у П.П.Чистякова. Жил преимущественно в Москве, а в 1890–1910 – в Киеве. Не раз бывал в Западной Европе, в том числе во Франции и Италии, много работал в Подмосковье (Абрамцево, Троице-Сергиева лавра и их окрестности). Был членом «Товарищества передвижников».

 Если ранние его исторические картины еще по-передвижнически сюжетно-бытописательны (Избрание Михаила Федоровича на царство, 1886, Третьяковская галерея), то позднее, как бы идя вослед В.М.Васнецову, он усиливает в своих образах фольклорные черты (За приворотным зельем, 1888, Саратовский художественный музей имени А.Н.Радищева), атмосферу религиозной легенды (Пустынник, 1888–1889, Третьяковская галерея). Под воздействием живописи французского символизма (П.Пюви де Шаванн и в особенности Ж.Бастьен-Лепаж) Нестеров подчеркивает идиллически-задушевное единство своих героев и окружающей природы. Таково знаменитое Видение отроку Варфоломею (будущему Сергию Радонежскому; 1889–1890, Третьяковская галерея), написанное близ Абрамцево, – картина, где чувством чудесного проникнуты в равной мере и фигуры, и типически-среднерусский пейзаж. С этих лет художник активно работает и в сфере религиозного монументально-декоративного творчества: росписи Владимирского собора в Киеве (1890–1895), где Нестеров выступил прямым продолжателем Васнецова; мозаики и иконы церкви Спаса-на-крови в Петербурге (1894–1897), росписи храма Александра Невского в Абастумани (1902–1904), Покровского храма Марфо-Мариинской обители в Москве (1908–1911). Здесь закрепляется традиция «церковного модерна», наполняющего канонические церковные сюжеты глубоким лиризмом. Не приняв революции, Нестеров уединяется в творчестве. Религиозные сюжеты (где мастер варьирует прежние мотивы) допускаются лишь на «экспорт», а единственная его постреволюционная выставка (1935) носит закрытый, «спецпропускной» характер. В эти годы художнику лучше всего удается выразить себя в портретах; он пишет людей искусства и науки как своего рода подвижников творческой аскезы. В последние десятилетия жизни Нестеров увлеченно работал над воспоминаниями, которые вышли отдельной книгой (под названием Давние дни) в год его кончины. Умер в Москве 18 октября 1942.
___________________________________________________

Kuzma Petrov-Vodkin / Кузьма Петров-Водкин

Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin (1878, Khvalynsk, now Saratov Oblast—February 15, 1939, Leningrad) is an important Russian and Soviet painter and writer.
Kuzma Petrov-Vodkin was born in Khvalynsk (now Engels) outside Saratov, to the family of a shoemaker. His first exposure to art was in his early childhood, when he took some lessons from a couple oficon painters and a signmaker. Still, Petrov-Vodkin didn't quite see himself in art at that time; after graduating from middle school, he took a summer job at a small shipyard with plans to get into railroad college in Samara. After failing his exam, he turned to "Art Classes of Fedor Burov" in 1893. In April 1895, Burov died and for some time Petrov-Vodkin took different painting jobs in the vicinity of Saratov. By chance, his mother's employer invited a well-known architect, R. Meltzer. Petrov-Vodkin was introduced to the guest and impressed him enough to get an invitation to study art at Saint Petersburg. The education was financed by a charitable subscription among local merchants. He also met at this time Borisov-Musatov, an important painter resident in Saratov, who encouraged Petrov-Vodkin to continue his studies. Petrov-Vodkin stayed in Saint Petersburg from 1895 to 1897 studying at the Baron Stieglits School, before moving to the Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture. There Petrov-Vodkin was a student of Valentin Serov, Isaak Levitan and especially Konstantin Korovin. In 1901 he travelled to Munich to take classes with Anton Aschbe. He graduated in 1904. While in Paris in 1906 he met and married Maria Jovanovic (1885-1960), a daughter of Serbian immigrant   hotel-keepers. She remained his lifelong companion. They had two daughters, one of whom died [unverified] in childhood. Even during his college years, Petrov-Vodkin managed to enter into conflict with the Russian Orthodox Church, which discarded his work on a chapel in Samara and ultimately destroyed it as unacceptable. A   number of his early works were deemed too erotic. His first well-known work was The Dream (1910), which sparked a discussion among contemporary Russian artists. The main defender of the painting was Alexandre   Benois, and his main detractor - Ilya Repin (thus, the work was discussed by two major Russian painters of the time). Other major works of that time include Boys at play, and, notably, Bathing of a Red Horse, his most iconic work. The latter became an instant classic, and, in a sense, trademark for the artist. During this stage in his artistic development, Petrov-Vodkin extensively used an aesthetic of Orthodox icon together with brighter colours and unusual compositions. His works were often deemed blasphemous and erotic. From 1924 to 1926 Petrov-Vodkin lived in France with his family. In 1922 he painted a portrait of the Russian poet Anna Akhmatova. During his earlier years, Petrov-Vodkin developed his "spherical perspective": a unique twist that distorted the drawing as to represent the viewer high enough to actually notice the spherical curve of the globe. He used it extensively through his works like Death of a Comissar and In the Line of Fire, which make the observer seem more distant, but actually close. It is argued that this twist has been built upon Byzantine perspective - an inverted perspective used in iconography. Petrov-Vodkin used darker tones with time,   but his paintings became more detailed. He started painting still life and portraits, stepping further away from his previous themes. With help from the Soviet government, he made several trips across the Soviet Union, producing many works with didactic purposes. In 1927, Petrov-Vodkin contracted pulmonary tuberculosis and had to curtail painting for several years. He turned to literature and wrote three major semi-autobiographical volumes, Khvalynsk, Euclid's Space and Samarkandia. The first two of these are considered on a par with the finest Russian literature of the time. The return to painting was problematic: his draftsmanship became caricature-like, and his subjects often turned satirical - this is ascribed to the suffocating atmosphere caused by Stalinist cultural policies of the 1930's through the Great Purge of 1937-1939. However there are notable works of this period, in particular 1919. Alarm. (1934), which basically displays the uneasiness of the time. Petrov-Vodkin died of tuberculosis in February of 1939.

Кузьма Сергеевич Петров-Водкин (1878–1939), русский художник, теоретик искусства и писатель.
Родился в Хвалынске (Саратовская губерния) 24 октября (5 ноября) 1878 в семье сапожника; сумел получить художественное образование при поддержке местных купцов. Учился в классах живописи и рисования Ф.Е.Бурова в Самаре (1895–1897) и Центральном училище технического рисования Штиглица в Петербурге (1895–1897). В 1905 окончил Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где в числе его наставников был В.А.Серов. Посещал студию А.Ашбе в Мюнхене (1901) и частные академии Парижа (1905–1908). В эти же годы много путешествовал по Западной Европе и Средиземноморью, побывал в Северной Африке; позднее большое значение для него имели также крымские и среднеазиатские впечатления. Испытал разнообразные воздействия как современных (французский символизм), так и старинных (живопись Древней Руси и итальянского Раннего Возрождения) традиций. Был членом объединений «Мир искусства» и «Четыре искусства». Жил в Ленинграде, а с 1927 – в Пушкине.  Целиком в духе символизма решены уже его ранние картины, где преобладают мотивы легенды или волшебного сна (Сон, 1911; Играющие мальчики, 1911; обе работы – в Русском музее, Петербург). Монументальным свидетельством творческой зрелости явилось знаменитое полотно Купание красного коня (1912) – простой сельский сюжет превращен (благодаря плавной ритмике форм и звучному локальному колориту) в поэтическое обобщение о судьбах России. Так же воспринимаются картины Мать (1913) и Девушки на Волге (1915). В своих новаторских монументально-декоративных работах (росписи в храме Василия Златоверхого в Овруче, 1910, Морском Никольском соборе Кронштадта, 1913, росписи и витраж в Троицком соборе города Сумы, 1915) Петров-Водкин выступает как замечательный мастер «церковного модерна». Религиозные мотивы порой одухотворяют и его светские композиции (1918 год в Петрограде (с фигурой Богоматери с Младенцем на первом плане), 1920; все картины – в Третьяковской галерее). В 1910-е годы складывается особая художественно-теоретическая система Петрова-Водкина, где главную роль играет принцип «сферической перспективы», который позволяет ему, изображая натуру в ракурсах сверху и сбоку, передавать ощущение «земли как планеты». По-своему «планетарны», монументально-значительны даже его натюрморты (Селедка, 1918, Русский музей), портреты же воспринимаются как масштабные духовные вехи своего времени (Автопортрет, 1918; А.А.Ахматова, 1922; оба портрета – в Третьяковской галерее). Искренний «попутчик» революции, мастер создал эпически-идеализированные образы Гражданской войны (После боя, 1923, Центральный музей Вооруженных сил, Москва; Смерть комиссара, 1928, Русский музей). Но картина 1919 год. Тревога (1934, там же), с питерским рабочим, которого посреди ночи вызывают в ополчение, закономерно воспринимается как предчувствие сталинского «большого террора» с его ночными арестами, а многофигурное Новоселье (1937, Третьяковская галерея) –на тему «уплотнения бывших буржуев» – как сатира на новый быт. Петров-Водкин часто (начиная с ранних подражаний М.Метерлинку) обращался к литературе, особенно в свой поздний период. Романтически-эмоциональны, весьма самобытны по жанру его Хлыновск (1930) и Пространство Эвклида (1933) – своего рода «вымышленные автобиографии», где причудливо сочетаются черты авантюрного романа, теоретического трактата и мемуаров. Плодотворно работал также как художник театра и педагог (преподавал в школе Е.Н.Званцевой (1910–1915) и Академии художеств (1918–1933). Умер Петров-Водкин в Ленинграде 15 февраля 1939.
_________________________________________________

Vasiliy Polenov / Василий Поленов

Vasily Dmitrievich Polenov (20.5 (1.6) .1844, St.Petersburg, - 18.7.1927, Polenovo in the Tula Oblast) was a Russian landscape painter associated with the Peredvizhnikimovement of realist artists.

Polenov studied under Pavel Chistyakov and in the Imperial Academy of Arts from 1863 to 1871. He was the pensioner of academy of arts in Italy and France, where he painted a number of pictures in the spirit of Academism on subjects taken from the European history ("The Right of mister", 1874, Tretyakov gallery); at the same time he worked a lot in the open air. Polenov took part in the Russo-Turkish War, 1877-1878 as the war artist. Returning from the war, he joined the Peredvizhniki, taking part in their mobile exhibitions. His works won the admiration of Pavel Mikhailovich Tretyakov, who acquired many of them for his gallery. In the late 1870s, Polenov concentrated on painting landscapes in the realist tradition of Aleksey Savrasov and Fyodor Vasilyev. He attempted to impart the silent poetry of Russian nature, related to daily human life. He was the one of the first Russian artists who achieved a plein air freshness of color combined with artistic finish of composition ("The Moscow court yard ", 1878; "The Grandmother's garden", 1878; "Zarosshy pond", 1879). The principles developed by Polenov had a great impact on further development of Russian (and especially Soviet) landscape painting. Polenov's sketches of Middle   East and Greece (1881-1882) paved the way for his masterpiece, "The Christ and the Sinner" (1886-87), an interesting attempt to update picturesque system of academism. In the works of the 1880s, Polenov tended to combine New Testament subjects with his penchant for landscape. Since the 1870s, Polenov also turned to theatrical decoration. Most notably, he decorated Savva Mamontov's mansion in Abramtsevo and his Private Russian Opera. In 1910-1918, Polenov was involved into a folk theatre project. Polenov was elected a member of St.Petersburg Academy of arts in 1893, and named a People's Artist of the Republic in 1926. For many years, he coached young painters in the Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture. His pupils included Abram Arkhipov, Isaac Levitan, Konstantin Korovin, and Alexandre Golovine. Polenov's mansion in Borok has been designated a national art museum.

Одно из самых значительных явлений в русской живописи второй половины XIX века – это творчество Василия Дмитриевича Поленова. Многогранное творчество художника, где он стремился,  применить все свои дарования не знали границ. Он  живописец и театральный художник, архитектор и музыкант, во многих отношениях выступал как новатор.
Родился Василий Дмитриевич Поленов в Петербурге 20 мая (1 июня) 1844 года в культурной дворянской семье. Его отец - Дмитрий Васильевич Поленов, сын академика по отделению русского языка и словесности, - был известным археологом и библиографом. Мать будущего художника, Мария Алексеевна, урожденная Воейкова, писала книги для детей и занималась живописью. Способности к рисованию были свойственны большинству детей Поленовых, но наиболее одаренными оказались двое: старший сын Василий и младшая дочь Елена, ставшие впоследствии настоящими художниками. У детей были педагоги по живописи из Академии художеств. Встреча с одним из преподавателей - П.П. Чистяковым - стала определяющей для жизненного пути Поленова. Чистяков обучал рисунку и основам живописи Поленова и его сестру в 1856-1861 годах. В то время он требовал от своих учеников пристального изучения натуры. "Натура, - вспоминал впоследствии Поленов, - устанавливалась надолго, и рисунок вырабатывался систематично, не условным приемом, а тщательным изучением и, по возможности, точной передачей натуры". "Не подумавши, ничего не начинать, а, начавши, не торопиться", - советовал педагог Поленову. Очевидно, Чистяков сумел передать своему ученику главное - профессиональный подход к живописи, понимание того, что настоящее искусство может возникнуть лишь в результате тяжелой работы и, что не мало важно Поленов это смог усвоить.  После долгих колебаний в 1863 году он, окончив гимназию, поступает вместе со своим братом Алексеем на физико-математический факультет (естественный разряд) Петербургского университета. Одновременно по вечерам в качестве вольноприходящего ученика он посещает Академию художеств, причем занимается не только в рисовальных классах, но так же с интересом слушает лекции по предметам анатомии, строительному искусству, начертательной геометрии, истории изящных искусств. Не прекращает Поленов и занятий музыкой. Он не только был постоянным посетителем оперного театра и концертов, но и сам пел в студенческом хоре Академии. Перейдя в натурный класс Академии художеств уже в качестве постоянного ученика, Поленов на время оставляет университет, целиком погрузившись в занятия живописью. Сделав тем самым правильный выбор, ведь уже в 1867 году он заканчивает ученический курс в Академии художеств и получает серебряные медали за рисунки и этюд. Вслед за этим участвует в двух конкурсах на золотые медали по избранному им классу исторической живописи и с января 1868 года вновь становится студентом университета, но теперь уже юридического факультета.
В 1871 году он получает диплом юриста и, одновременно с Ильей Ефимовичем Репиным, большую золотую медаль за конкурсную картину "Воскрешение дочери Иаира". Однако прошло еще несколько лет, прежде чем Поленов действительно обрел себя как художник. Василий отправляется на длительное время стажироваться в  Париж, и написал там, в числе прочего картину «Арест графини д’Этремон», обеспечившую ему в 1876 г. звание академика. Реалистические устремления художника, укреплявшиеся под влиянием И.Репина и А.Боголюбова, полнее проявились в его тонких пленэрных пейзажах и этюдах. После возвращения на родину Поленов становится убежденным приверженцем национально-демократического искусства. Он пишет правдивые, проникнутые любовью к людям из народа портреты сказителя былин Н.Богданова (1876 г.), деревенского мальчика Вахрамея (1878 г.), картину из крестьянской жизни «Семейное горе» (1876 г.). Возвратившись в 1876 г. в Россию, вскоре отправился на театр русско-турецкой войны, в продолжение которой состоял официальным художником при главной квартире наследника-цесаревича (впоследствии императора Александра 3). По окончанию войны поселился в Москве. После много путешествовал. Наиболее сильное впечатление произвела на него Венеция. Взоры Поленова безраздельно обратились к пейзажу. Таков был итог его исканий за границей. В дальнейшем развитие Поленова-пейзажиста в эпоху 90-х годов неразрывно связано с его жизнью на берегу Оки. Мечтая поселиться "на природе", Поленов приобрел в 1890 году небольшое имение "Бехово" в бывш. Алексинском уезде, Тульской губернии.  Последние годы жизни Поленов продолжал постоянно работать, вдохновляясь пейзажами Оки, где были написаны многие пейзажи мастера, он собрал художественную коллекцию для открытия общедоступного музея. Сейчас там Музей-усадьба В. Д. Поленова. Восемнадцатого июля 1927 года художник скончался в своей усадьбе и был похоронен на кладбище в Бехове.

_____________________________________________________

Valentin Serov / Валентин Серов

Valentin Alexandrovich Serov (January 19, 1865 - December 5, 1911) was a Russian painter, and one of the premier portrait artists of his era.
Serov was born in St. Petersburg to the Russian composer Alexander Serov, and his wife Valentina Bergman, a composer of German-Jewish and English background. In his childhood he studied in Paris and Moscow under Ilya Repin and in the St. Petersburg Academy of Arts (1880-1885) under Pavel Chistyakov. Serov’s early creativity was sparked by the realistic art of Repin and strict pedagogical system of Chistyakov. Further influences on Serov were the old master paintings he viewed in the museums of Russia and Western Europe, friendships with Mikhail Vrubel and (later) Konstantin Korovin, and the creative atmosphere of the Abramtsevo Colony, to which he was closely connected. The greatest works of Serov’s early period were portraits: The Girl with Peaches (1887), and The Girl Covered by the Sun (1888), both in the Tretyakov Gallery. In these paintings Serov concentrated on spontaneity of perception of the model and nature. In the development of light and color, the complex harmony of reflections, the sense of atmospheric saturation, and the fresh picturesque perception of the world, there appeared the features of early Russian impressionism. From 1890 on, the portrait became the basic genre in Serov’s art. It was in this field that his early style would become apparent, the paintings notable for the psychologically pointed characteristics of his subjects. Serov’s favorite models were actors, artists, and writers (Konstantin Korovin, 1891, Isaac Levitan, 1893, Nikolai Leskov, 1894, Nikolai Rimsky-Korsakov, 1898, - all in the Tretyakov gallery). Initially abstaining from the polychromatic, brightly colored painting style of the 1880s, Serov often preferred a dominant scale of black-grey or brown tones. Impressionistic features appeared sometimes in composite construction of a portrait, or to capture a sense of spontaneous movement. As in the work of his contemporaries John Singer Sargent and Anders Zorn, the impressionism is not doctrinaire, but derives as much from the study of Hals and Velázquez as from modern theory. Receiving wide popularity, in 1894 Serov joined with the Peredvizhniki (The Itinerants), and took on important commissions, among them portraits of grand duke Pavel Alexandrovich, (1897, Tretyakov Gallery), S.M. Botkin, 1899, and F.F. Yusupova, 1903 (both in the Russian Museum in St. Petersburg). In these truthful, compositionally skillful, and picturesque executions in the grand manner, Serov consistently used linear-rhythmic drawing coupled with decorative color combinations. At the same time, he developed a contrasting direction: he frequently produced intimate, heartfelt, chamber portraits, mainly of children and women. In portraits of children Serov aspired to capture pose and gesture, to reveal and emphasize a spontaneity of internal movement, sincere cleanliness and clearness of attitude of the child (Children, 1899, Russian Museum; Mika Morozov, 1901, Tretyakov gallery). Serov frequently called upon various graphic techniques - watercolors, pastels, lithographs and so forth. Figures in Serov’s portraits gradually became more and more graphically refined and economical, particularly during the late period (Vasily Kachalov, 1908, Tamara Karsavina, 1909; numerous figures from Ivan Krylov’s fables, 1895-1911). From 1890 to 1900 Serov produced many landscape compositions on country themes, in which the artistic direction took a romantic turn. During his late period, which began in 1900, Serov was a member of "The World of art", an influential Russian art association and magazine which grew, in part, out of dissatisfaction with the Itinerants movement. At the turn of the century, Serov was at a stylistic turning point: features of impressionism disappeared from his work, and his modernistic style developed, but the characteristic truthful and realistic comprehension of the nature of his subjects remained constant. In the early 1900s Serov created heroic portrait images; within the genre of the fashionable portrait, Serov focused on the dramatic depiction of creative artists, writers, actors, and   musicians of import: Maxim Gorki's portraits (1904), A.M. Gorki's museum, Moscow; Maria Yermolova (1905), Feodor Chaliapin (charcoal, 1905) - both in the Tretyakov Gallery. Serov’s democratic beliefs were clearly shown during the Revolution from 1905 to 1907: he depicted a number of satirical figures exposing chastisers. A full member of the St.Petersburg Academy of Arts since 1903, in 1905 he resigned as a gesture of protest against the execution of striking workers and their families on January 9, Bloody Sunday. His late creativity found expression in historical painting (Peter II departure and Empress Elizabeth Petrovna on hunting, 1900, Russian Museum), and depth of comprehension of the historical maintenance of an epoch (Peter I, distemper, 1907, Tretyakov Gallery). The last years of Serov’s life were marked by works on themes from classical mythology. While addressing images from the ancient tradition, Serov endowed classical subject matter with a personal interpretation. Valentin Serov died in Moscow on December 5, 1911.

Валентин Александрович Серов родился 19 января 1865 года в Петербурге. Его отец, Александр Николаевич Серов, был композитором и музыкальным критиком. В семье Серовых часто бывали Репин, Антокольский. У Валентина рано проявились художественные способности, сначала его учителем был А.Кемпинг, а затем И.Репин. Сначала занятия с Серовым Репин проводил в Париже, потом в Москве и Абрамцеве. После поездки в Запорожье, в 1880 году, Репин направляет Серова в петербургскую Академию художеств, где его наставником становится П.Чистяков. Творчество Серова вызывает восхищение и у Чистякова, и у его современников. Жизнь Серова в Абрамцеве и Домотканове оказала большое влияние на формирование его, как художника. Здесь он создает свои знаменитые портреты - "Девочка с персиками", на котором изображена дочь Мамонтова Вера, и "Девушка, освещенная солнцем", портрет двоюродной сестры. Оба портрета наполнены особой одухотворенностью и поэтичностью, что сразу выделило Серова среди других художников и сделало его популярным. За картину "Девочка с персиками" Валентин Серов был награжден премией Московского общества любителей художеств, второй портрет купил для своей коллекции П.Третьяков. В 1887 году Валентин Серов женился на Ольге Федоровне Трубниковой, вскоре у них появляются дети. Во время революции 1905 года, когда Серов стал свидетелем расстрела рабочих, художник в знак протеста против действий правительства покидает Академию художеств. Появляются его политические карикатуры "1905 год: После усмирения", "1905 год. Виды на урожай 1906 года", картины "Баррикады, похороны Н. Э. Баумана", "Солдатушки, бравы ребятушки, где же ваша слава?". В эти годы Серова увлекают темы истории и мифологии. Художник создает картину "Петр I". В мае 1907 года Валентин Серов едет в Грецию, которая произвела на него большое впечатление своими памятниками и скульптурами. В 1910 году им написано поэтическое сказание "Похищение Европы" и несколько вариантов "Одиссея и Навзикаи". Вместе с тем он продолжает и портретный жанр - появляются портреты О.Орловой, Г.Гиршмана. Но приступ стенокардии оборвал жизнь талантливого живописца, 5 декабря 1911 года Валентина Александровича Серова не стало.
_______________________________________________________

Vasiliy Surikov / Василий Суриков

Vasily Ivanovich Surikov (January 24, 1848 (Julian calendar: January 12) – March 19, 1916 (Julian calendar: March 6)) was the foremost Russian painter of large-scale historical subjects. His major pieces are among the best-known paintings in Russia.

Surikov was born in Krasnoyarsk, Siberia, where a monument to him was recently opened by his great grandsons, Nikita Mikhalkov and Andrei Konchalovsky. In 1869-1871 he studied under Pavel Chistyakov at the Imperial Academy of Arts. In 1877, Surikov settled in Moscow, where he contributed some imposing frescoes to the Cathedral of Christ the Savior. In 1878 he married Elizabeth Charais, a granddaughter of decembristSvistunov. In 1881 he joined the Peredvizhniki movement. Since 1893 he is a full member of St.Petersburg Academy of arts. Surikov was interred at the Vagankovskoye Cemetery in Moscow. Surikov painted images from Russia's past that focused on the lives of ordinary people. His works are remarkable by an original way to represent space (see non-linear perspective) and movements of people. In some cases he seems to have painted the same image in more than one size, probably as a prototype to a bigger image which he has in his mind or has liked the smaller version so much that he decided it would look nicer when enlarged.

Cуриков, Василий Иванович  (1848–1916), русский художник, мастер русской исторической картины; соединил традиции исторического романтизма с живописным новаторством. Родился в Красноярске 12 (24) января 1848 в семье канцелярского служащего, выходца из старинного казачьего рода. Первые уроки рисования получил у школьного учителя Н.В.Гребнева. В 1868 отправился в Петербург, где в 1869 поступил в Академию художеств; окончив Академию в 1875, с 1877 жил в Москве. Постоянно наезжал в Сибирь, бывал на Дону, Волге, в Крыму. В 1880–1890-е годы посетил Францию, Италию и ряд других стран Европы. Испытал особое влияние мастеров венецианского и испанского Возрождения и барокко, в особенности П.Веронезе и Д.Веласкеса. Уже в студенческие годы проявил себя как мастер историко-ассоциативных образов (романтичный пейзаж Вид памятника Петру I в Петербурге, 1870, Русский музей, Петербург). В 1876–1877 создал эскизы на тему четырех вселенских соборов для украшения храма Христа Спасителя (ныне – в Русском музее). Переезд молодого художника в Москву, впечатления от старинной архитектуры «первопрестольной» сыграли важную роль в формировании его первого шедевра Утро стрелецкой казни, завершенного в 1881 (Третьяковская галерея, Москва). Свой дар выдающегося живописца-историка Суриков подтвердил в полотнах Меншиков в Березове (1883) и Боярыня Морозова (1887). Лучшие вещи Сурикова всегда выделялись своим замечательным – в высшей мере конструктивным, а не только декоративным – колоритом. Цветовой экспрессией впечатляют его поздние акварели, в особенности созданные в Испании. В поздние годы старый художник написал ряд лучших своих портретов (Автопортрет, 1913, Третьяковская галерея; и др.). Умер Суриков в Москве 6 (19) марта 1916. 

________________________________________________

Ilya Repin / Илья Репин

Ilya Yefimovich Repin (5 August [O.S. 24 July] 1844, Chuhuiv, Ukraine – September 29, 1930, Kuokkala, Finland) was a leading Russian painter and sculptor of the Peredvizhniki artistic school. His realistic works often expressed great psychological depth and exposed the tensions within the existing social order. Beginning in the latter-1920s, detailed works on him were being published in the USSR and about a decade later, a Repin cult was established in the Soviet Union and he was being held up as a model "progressive" and "realist" to be imitated by "Socialist Realist" artists in the USSR.

Repin was born in the town of Chuguev near Kharkov in the heart of the historical region called Sloboda Ukraine. His parents were Russian military settlers. In 1866, after apprenticeship with a local icon painter named Bunakov and preliminary study of portrait painting, he went to Saint Petersburg and was shortly admitted to the Imperial Academy of Arts as a student. One of his apprentices was Joseph Boris Geller, father of the American Modernist architect Andrew Geller. From 1873 to 1876 on the Academy's allowance, Repin sojourned in Italy and lived in Paris, where he was exposed to French impressionist painting, which had a lasting effect upon his use of light and colour. Nevertheless, his style was to remain closer to that of the old European masters, especially Rembrandt, and he never became an impressionist himself. Throughout his career, he was drawn to the common people from whom he himself traced his origins, and he frequently painted country folk, both Ukrainian and Russian, though in later   years he also painted members of the Imperial Russian elite, the intelligentsia, and the aristocracy, including Tsar Nicholas II. In 1878, Repin joined the free-thinking "Association of Peredvizhniki Artists", generally called "the Wanderers" or "The Itinerants" in English, who, at about the time of Repin's arrival in the capital, rebelled against the academic formalism of the official Academy. His fame was established by his painting of the "Volga Barge Haulers", a work which portrayed the hard lot of these poor folk but which was not without hope for the youth of Russia. From 1882 he lived in Saint Petersburgbut did visit his Ukrainian homeland and on occasion made tours abroad. Beginning shortly before the assassination of Tsar Alexander II in 1881, he painted a series of pictures dealing with the theme of the Russian revolutionary movement: "Refusal to Confess", "Arrest of a Propagandist", "The Meeting", and "They did not Expect Him", the last of which is undoubtedly his masterpiece on the subject, mixing contrasting psychological moods and Russian and Ukrainian national motifs. His large-scale "Religious Procession in the Province of Kursk" is sometimes considered an archetype of the "Russian national style" displaying various social classes and the tensions among them set within the context of a traditional religious practice and united by a slow but relentless forward movement. In 1885, Repin completed one of his most psychologically intense paintings, Ivan the Terrible and his Son. This canvas displayed a horrified Ivan embracing his dying son, whom he had just struck and mortally wounded in an uncontrolled fit of rage. The visage of terrified Ivan is in marked contrast with that of his calm, almost Christlike son. One of Repin's most complex paintings, Reply of the Zaporozhian Cossacks to Sultan Mehmed IV of the Ottoman Empire occupied many years of his life. He conceived this painting as a study in laughter, but also believed that it involved the ideals of liberty, equality, and fraternity; in short, Cossack republicanism. Begun in the late 1870s, it was only completed in 1891, and, ironically, was immediately purchased by the Tsar. The Tsar paid 35,000 rubles for the painting, an enormous amount for that time. During his maturity, Repin painted many of his most celebrated compatriots, including the novelist Leo Tolstoy, the scientist Dmitri Mendeleev, the imperial official Pobedonostsev, the composer Mussorgsky, the philanthropist Pavel Tretyakov, and the Ukrainian poet and painter, Taras Shevchenko. In 1903, he was commissioned by the Russian government to paint his most grandiose design, a 400x877 cm canvas representing a ceremonial session of the State Council. Repin himself designed his home Penaty (literally, "the Penates") or the Roman "Household Gods", located just to the north of Saint Petersburg in Kuokkala, Grand Duchy of Finland. After the 1917 October Revolution, Finland declared independence. He was invited by various Soviet institutions to come back to his homeland but refused the invitation giving the excuse that he was too old to make the journey. During this period, Repin devoted much time to painting religious subjects, though his treatment of these was usually innovative and not traditional. With the exception of a portrait of Provisional Government head, Alexander Kerensky, he never painted anything substantial on the subject of the 1917 revolutions or the Soviet experiment that followed. His last painting, a joyous and exuberant canvas called "The Hopak", was on a Ukrainian Cossack theme. In 1930, he died inKuokkala, Finland. After the Continuation War Kuokkala was ceded to the Soviet Union and was renamed Repino (Leningrad Oblast). The Penates are part of the World Heritage Site Saint Petersburg and Related Groups of Monuments. In 1940, Penaty was opened for the public as a house museum. Alexander Glazunov's Oriental Rhapsody, Op. 29 (1889) is dedicated to Ilya Repin.

Родился будущий художник 5 августа 1844 года в маленьком городке Чугуеве на Украине, в семье военного поселенца. Рано обнаружив склонность к рисованию, и получив с помощью местных живописцев первые, но довольно уверенные навыки владения кистью и карандашом. Что, несомненно, поможет ему в дальнейшем. Вся репинская жизнь, и в особенности юность и молодость, представляется в его интерпретации какой-то нескончаемой цепью редких удач и просто неслыханных везений. Удачей стал его приезд - провинциального иконописца - в Петербург, счастьем - сознание того, что он находится в одном городе с Академией и учится в Рисовальной школе на Бирже. Неверие в собственную исключительность и гениальность, в свое законное первенство осталось в нем навсегда. Он любил называть себя «посредственным тружеником» и ежедневным каторжным трудом отрабатывал свое громкое имя. Удачи не сделали его небожителем, а неудачи не озлобляли. Поступив в желанную Академию, он делает стремительные успехи: и уже через месяц после поступления ему ставят за рисунки первые номера. И не удивительно: он приехал в Петербург уже крепким мастером, профессионалом, услугами которого охотно пользовалась вся чугуевская округа.  Живописные и графические произведения, созданные Репиным в годы пребывания в Академии художеств, могут показаться свидетельством раздвоения его творческих усилий. Отчасти так оно и было. Но прежде чем в 1873 году художник уедет из России, он испытает свой первый настоящий успех, связанный с появлением на выставке в марте 1873 года картины «Бурлаки на Волге». Широта интересов, отзывчивость таланта - основные свойства творческой натуры Репина. В одно и то же время он способен был работать  с различными вещами и в различной манере. В 1882 году начинается самый значительный, самый плодотворный период его творчества. За какие-нибудь десять - двенадцать лет Репин создает большинство своих наиболее известных произведений. Такие как: «Крестный ход в Курской губернии» (1880-1883). Тема крестного хода - одна из популярнейших в русской живописи. Однако Репин не имеет соперников в изображении толпы, шествия. В «Крестном ходе» толпа показана как единый массив. Но когда взгляд начинает выхватывать отдельные фигуры, создается впечатление, что Репин буквально каждое лицо увидел в жизни. Чрезвычайно важную часть репинского наследия составляют и его портреты. Репин так же проявил себя и как высокоодаренный педагог. Был профессором — руководителем мастерской (1894-1907) и ректором (1898-1899) Академии художеств, одновременно преподавал в школе-мастерской Тенишевой; среди его учеников — Б. М. Кустодиев и И. Э. Грабарь. Давал также частные уроки В. А. Серову. Художник прожил долгую жизнь, жизнь человека, полностью преданного своему делу. Его огромный живописный талант признавали все, но не все могли в полной мере оценить исторический, общественный смысл его искусства. Умер Репин в преклонном возрасте, в 1930 году, и вплоть до последних лет своих не выпускал из рук кисть. 
___________________________________________________

Ivan Shishkin / Иван Шишкин

Ivan Ivanovich Shishkin (Russian: Иван Иванович Шишкин, 25 January 1832 – 20 March 1898) was a Russian landscape painter. Shishkin was born in the town of Elabuga of Vyatka Governorate (today Republic of Tatarstan), and graduated from the Kazan gymnasium. He then studied at the Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture for 4 years, then attended the Saint Petersburg Imperial Academy of Arts from 1856 to 1860, graduating with the highest honors and a gold medal. He received the Imperial scholarship for his further studies in Europe. Five years later Shishkin became a member of the Imperial Academy in St. Petersburg and was professor of painting from 1873 to 1898. At the same time, Shishkin headed the landscape painting class at the Higher Art School in St. Petersburg. For some time, Shishkin lived and worked in Switzerland and Germany on scholarship from the St. Petersburg Imperial Academy of Arts. On his return to Saint Petersburg, he became a member of the Circle of the Itinerants and of the Society of Russian Watercolorists. He also took part in exhibitions at the Academy of Arts, the All Russian Exhibition in Moscow (1882), the Nizhniy Novgorod (1896), and the World Fairs (Paris, 1867 and 1878, and Vienna,1873). Shishkin's painting method was based on analytical studies of nature. He became famous for his forestlandscapes, and was also an outstanding draftsman and a printmaker. Ivan Shishkin owned a dacha in Vyra, south of St. Petersburg. There he painted some of his finest landscapes. His works are notable for poetic depiction of seasons in the woods, wild nature, animals and birds. He died in 1898, in St. Petersburg, Russia, while working on his new painting. A minor planet 3558 Shishkin, discovered by Soviet astronomer Lyudmila Zhuravlyova in 1978 is named after him.

Шишкин (Иван Иванович) - один из даровитейших русских пейзажистов, живописец, рисовальщик и гравер-аквафортист, сын купца, родился 13 (25 по нов. стилю - прим. авт. сайта) января в Елабуге (Вятской губ.) в 1832 г., двенадцати лет от роду был определен в ученики 1-ой казанской гимназии, но, дойдя в ней до 5-го класса, оставил ее и поступил в московское училище живописи, ваяния и зодчества. Окончив курс этого заведения, он с 1857 г. продолжал свое образование в академии художеств, где числился учеником проф. С. М. Воробьева.  Не довольствуясь занятиями в стенах академии, Шишкин в это время усердно рисовал и писал этюды с натуры в окрестностях СПб, и на о-ве Валааме, чрез что приобретал все большее и большее знакомство с ее формами и уменье точно передавать ее карандашом и кистью. Уже в первый год пребывания его в академии были присуждены ему две малые серебряные медали за классный рисунок и за вид в окрестностях СПб.  1858 г. он получил большую серебряную медаль за вид на Валааме, в 1859 г. - малую золотую медаль за пейзаж из окрестностей СПб. и, наконец, в 1860 г. - большую золотую медаль за два вида местности Кукко, на Валааме. Приобретя, вместе с этою последнею наградою, право на поездку за границу в качестве пенсионера академии, он отправился в 1861 г. в Мюнхен, а затем, в 1863 г., перебрался в Цюрих, где, под руководством проф. Коллера, считавшегося тогда одним из лучших изобразителей животных, срисовывал и писал последних с натуры. В Цюрихе Шишкин попробовал впервые гравировать крепкою водкою. Отсюда он сделал экскурсию в Женеву с целью ознакомиться с работами Диде и Калама, а потом переехал в Дюссельдорф и написал там по заказу Н. Быкова "Вид в окрестностях этого города" - картину, которая, будучи прислана в СПб., доставила художнику звание академика. За границею, помимо живописи, он много занимался рисунками пером; произведения его в этом роде приводили в удивление иностранцев, и некоторые были помещены в дюссельдорфском музее рядом с рисунками первоклассных европейских мастеров. Затосковав по отечеству, Шишкин, в 1866 г., возвратился в СПб. до истечения срока своего пенсионерства. С той поры он нередко предпринимал путешествия с художественного целью по России, почти ежегодно выставлял свои произведения сначала в академии, а потом, после того, как учредилось товарищество передвижных выставок, на этих выставках производил рисунки пером, и с 1870 г., примкнув к образовавшемуся в СПб. кружку аквафортистов, принялся снова за гравирование крепкою водкою, которое уже не покидал до конца своей жизни, посвящая ему почти столько же времени, сколько и живописи. Все эти работы с каждым годом увеличивали за ним репутацию одного из лучших русских живописцев пейзажа и бесподобного, в своем роде, аквафортиста. В 1873 г. академия возвела его в звание профессора за приобретенную ею мастерскую картину "Лесная глушь". После вступления в действие нового устава академии, в 1892 г. Шишкин был приглашен руководить ее учебной пейзажной мастерской, но, по различным обстоятельствам, исполнял эту должность недолго. Он умер скоропостижно, 8 марта 1898 г. Среди русских пейзажистов Шишкин бесспорно принадлежит место самого сильного рисовальщика.

____________________________________________

• Сарабьянов Д., Шатских А. Казимир Малевич. М., 1993;
• Малевич К. Собрание сочинений, тт. 1-3. М., 1995-1998; 1995-1998
• Малевич в Русском музее (каталог). СПб, 1999.
• Шумова М.Н. Русская живопись середины XIX века. М., Искусство. 1984
• Сарабьянов Д.В., Автономова Н.Б. В.Кандинский. М., 1994
• К
  андинский В.В. Точка и линия на плоскости. СПб, 2001
• Кандинский В.В. Теоретические труды по искусству, тт. 1-2. М., 2001.
• Энциклопедия «Кругосвет»
• БСЭ, «Брокгауз и Ефрон»
• «Русский Биографический Словарь»
• Ирина Никифорова © Электронная библиотека Библиотекарь.Ру
• http://www.russianculture.ru/
• http://bibliotekar.ru
• http://en.wikipedia.org
• http://www.artsstudio.com